Musiikki - Music

Musiikkiallegoria , François Boucher , 1764

Musiikki on taidetta järjestää ääniä ajoissa kautta elementtejä melodian, harmonian, rytmin, ja sointi. Se on yksi kaikkien ihmisyhteiskuntien yleismaailmallisista kulttuurinäkökohdista . Musiikin yleiset määritelmät sisältävät yhteisiä elementtejä, kuten sävelkorkeuden (joka hallitsee melodian ja harmonian ), rytmin (ja siihen liittyvät käsitteet tempo , mittari ja artikulaatio ), dynamiikan (kovuus ja pehmeys) sekä soinnun ja tekstuurin ääniominaisuudet (joita kutsutaan joskus musiikkiäänen "väriksi"). Eri tyylit tai musiikkityypit voivat korostaa, korostaa tai jättää pois joitakin näistä elementeistä. Musiikki suoritetaan laaja valikoima välineitä ja laulu tekniikoita aina laulaa ja rapping ; on vain instrumentaalikappaleita , pelkästään laulukappaleita (kuten kappaleita ilman instrumentaalista säestystä ) ja kappaleita, joissa yhdistyvät laulu ja soittimet. Sana on peräisin kreikan μουσική ( mousiké ; "(taso) on Muses ").

Yleisimmässä muodossaan toimintaa kuvaava musiikki taidemuotona tai kulttuurista toimintaa myös luoda teoksia musiikkia ( kappaleita , kappaleita, sinfonioita , ja niin edelleen), The kritiikkiä musiikkia , The tutkimuksen historiasta musiikin , ja esteettinen tarkastelu musiikkia . Muinaiset kreikkalaiset ja intialaiset filosofit määritelivät musiikin kahdessa osassa: melodiat vaakasuoraan järjestettyinä sävyinä ja harmoniat pystysuunnassa järjestettyinä sävyinä. Yleiset sanonnat, kuten " sfäärien harmonia " ja "se on musiikkia korviini", viittaavat käsitykseen siitä, että musiikki on usein tilattua ja miellyttävää kuunneltavaa. Kuitenkin 1900-luvun säveltäjä John Cage ajatteli, että mikä tahansa ääni voi olla musiikkia, sanoen esimerkiksi: "Ei ole kohinaa , vain ääni."

Musiikin luominen, esitys, merkitys ja jopa määritelmä vaihtelevat kulttuurin ja sosiaalisen kontekstin mukaan. Todellakin, kautta historian, uusia muotoja tai musiikkityylien on arvosteltu "ei ole musiikkia", kuten Beethoven n Grosse Fuge jousikvartetti vuonna 1825, varhainen jazz vuonna 1900-luvun alussa ja hardcore punk 1980-luvulla. Musiikkia on monenlaisia, mukaan lukien populaarimusiikki , perinteinen musiikki , taidemusiikki , uskonnollisiin seremonioihin kirjoitettu musiikki ja työkappaleet , kuten kantaesitykset . Musiikki vaihtelee tiukasti järjestetyistä sävellyksistä, kuten klassisen musiikin sinfonioista 1700- ja 1800-luvuilta, spontaanisti toistettuun improvisaatiomusiikkiin , kuten jazziin , ja avantgarde- tyyliin sattumapohjaista nykymusiikkia 20. ja 21. vuosisadalta.

Musiikki voidaan jakaa tyylilajeihin (esim. Maalaismusiikki ) ja lajityypit voidaan jakaa edelleen alalajeihin (esim. Vaihtoehtoinen maa- ja country -pop ovat kaksi monista maan alalajeista), vaikka musiikkilajien välinen raja ja suhde ovat usein hienovaraisia, joskus avoin henkilökohtaiselle tulkinnalle ja toisinaan kiistanalainen. Esimerkiksi voi olla vaikea vetää rajaa jonkin 1980 -luvun alun hard rockin ja heavy metalin välille . Sisällä taiteen , musiikin voidaan luokitella esittävän taiteen , taiteeksi, tai auditiivinen taidetta. Musiikkia voidaan soittaa tai laulaa ja kuulla livenä rock -konsertissa tai orkesteriesityksessä, kuunnella suorana osana dramaattista teosta ( musiikkiteatteriesitys tai ooppera), tai se voidaan tallentaa ja kuunnella radiossa, MP3 -soittimessa, CD -levyllä soittimena , älypuhelimena tai elokuvana tai TV -ohjelmassa.

Monissa kulttuureissa musiikki on tärkeä osa ihmisten elämäntapaa, sillä sillä on keskeinen rooli uskonnollisissa rituaaleissa , kulkuseremonioissa (esim. Valmistuminen ja avioliitto), sosiaalisessa toiminnassa (esim. Tanssi ) ja kulttuuritoiminnassa aina amatööreistä lähtien. karaoke laulaa pelaavat amatööri funk bändi tai laulaminen yhteisön kuorossa . Ihmiset voivat tehdä musiikkia harrastuksena, kuten teini, joka soittaa selloa nuoriso -orkesterissa , tai työskennellä ammattimuusikkona tai laulajana. Musiikkiteollisuus sisältää henkilöt, jotka luovat uusia kappaleita ja musiikkikappaleiden (kuten lauluntekijöiden ja säveltäjien), henkilöt esittää musiikkia (joihin kuuluvat orkesteri, jazz bändi ja Rock Band muusikot, laulajat ja johtimet), henkilöt tallentaa musiikkia (musiikintuottajien ja ääniteknikot ), konserttimatkoja järjestävät henkilöt ja nauhoituksia, nuotteja ja partituureja myyvät asiakkaat. Jopa kappaleen tai kappaleen esittämisen jälkeen musiikkikriitikot , musiikkitoimittajat ja musiikin tutkijat voivat arvioida ja arvioida kappaleen ja sen esityksen.

Etymologia

Vuonna Kreikan mytologiassa , yhdeksän Muses olivat inspiraation monet luovaa toimintaa, kuten taiteen .

Sana ' musiikki ' on peräisin antiikin kreikan μουσική ( mousiké ) '(taide) on Muses '. Vuonna Kreikan mytologiassa , muusa olivat jumalattaret joka innoitti kirjallisuuden, tieteen ja taiteen ja jotka olivat lähde tiedon ilmentymä on runous, laulu-sanoitukset ja myytit Kreikan kulttuuriin. Mukaan Online Etymology Dictionary , termi musiikki on peräisin "puolivälissä 13c., Musike , mistä Vanha ranskalainen Musique (12c.) Ja suoraan Latinalaisen Musica 'taidetta musiikin', sisältäen myös runous (myös [DE] lähde Espanjan música , italia musica , muinaisyläsaksa mosica , saksa musik , hollanti muziek , tanska musik )." Tämä on johdettu musien "... kreikkalaisesta hiirestä ( techne )" (taiteesta), " musien " mousikosin fem. , Mousa "Muse" (ks. Muse (n.)). oikeinkirjoitus [peräisin] 1630 -luvulta. Klassisessa Kreikassa [termi ”musiikki” viittaa] mihin tahansa taiteeseen, jossa musat johtivat, mutta erityisesti musiikki ja sanoitukset . "

Taidetta ja viihdettä

Musiikki sävelletään ja esitetään moniin tarkoituksiin, esteettisistä nautinnoista, uskonnollisista tai seremoniallisista tarkoituksista tai markkinoiden viihdetuotteena. Kun musiikki oli saatavana vain nuotteja tulokset, kuten aikana klassisromanttisesta aikakausien musiikin ystäville ostaisi nuotteja niiden suosikki kappaleita ja lauluja, jotta he voisivat hoitaa ne kotona pianolla. Fonografian tullessa levyt suosituista kappaleista, ei nuotit, olivat hallitseva tapa, jolla musiikin ystävät nauttivat suosikkikappaleistaan. Kynnyksellä kotiin nauhureiden 1980- ja digitaalisen musiikin 1990-luvulla, musiikin ystäville voisi tehdä nauhoja tai soittolistoja niiden suosikki kappaleita ja ottaa ne heidän kanssaan kannettavan kasettisoittimen tai MP3-soittimen. Jotkut musiikin ystävät luovat suosikkikappaleistaan sekoitusnauhoja , jotka toimivat "omakuvana, ystävyyden eleenä, reseptinä ihanteellisille juhlille ... [ja] ympäristölle, joka koostuu yksinomaan siitä, mitä rakastamme eniten".

Amatöörimuusikot voivat säveltää tai esittää musiikkia omaksi ilokseen ja saada tulonsa muualta. Ammattimuusikoita palvelevat useat instituutiot ja järjestöt, mukaan lukien asevoimat ( marssibändeissä , konserttibändeissä ja populaarimusiikkiryhmissä), kirkot ja synagogat, sinfoniaorkesterit, yleisradio- tai elokuvatuotantoyhtiöt ja musiikkikoulut . Ammattimuusikot työskentelevät joskus freelancerina tai istuntomuusikoina etsien sopimuksia ja tehtäviä erilaisissa tilanteissa. Amatööri- ja ammattimuusikoiden välillä on usein monia yhteyksiä. Aloittavat amatöörimuusikot ottavat oppitunteja ammattimuusikoiden kanssa. Yhteisöllisiin, kehittyneet amatöörimuusikoiden suorittaa ammattimusiikoja erilaisissa kokoonpanoissa kuten yhteisö konsertti bändejä ja yhteisön orkestereita.

Usein erotetaan toisistaan ​​musiikki, joka esitetään elävälle yleisölle, ja musiikki, joka esitetään studiossa, jotta se voidaan tallentaa ja levittää musiikin vähittäismyyntijärjestelmän tai yleisradiointijärjestelmän kautta. On kuitenkin myös monia tapauksia, joissa yleisön edessä oleva live -esitys tallennetaan ja levitetään. Live -konserttitallenteet ovat suosittuja sekä klassisessa musiikissa että populaarimusiikin muodoissa, kuten rockissa, jossa musiikin ystävät arvostavat laittomasti nauhoitettuja live -konsertteja . Vuonna Jam Band kohtaus, elävät, improvisoitua jamit ovat mieluummin studionauhoituksia.

Sävellys

Ihmiset säveltävät musiikkia vuonna 2013 elektronisilla näppäimistöillä ja tietokoneilla.
Ranskalainen barokkimusiikin säveltäjä Michel Richard Delalande (1657–1726), kynä kädessä.

"Sävellys" on teko tai käytäntö luoda kappale, instrumentaalinen musiikkikappale, teos, jossa on sekä laulua että soittimia, tai muu musiikkityyppi. Monissa kulttuureissa, kuten Western klassisen musiikin, teko muodostavien myös luomista nuotinnuksena , kuten nuotit "pisteet" , joka suoritetaan sitten säveltäjä tai muiden laulajille tai muusikoita. Populaarimusiikissa ja perinteisessä musiikissa säveltäminen, jota tyypillisesti kutsutaan laulun kirjoittamiseksi, voi sisältää kappaleen perushahmon luomisen, nimeltään pääarkki , jossa esitetään melodia , sanoitukset ja sointujen eteneminen . Klassisessa musiikissa säveltäjä yleensä orkesteroi omia sävellyksiään, mutta musiikkiteatterissa ja popmusiikissa lauluntekijät voivat palkata sovittajan orkestroinnin suorittamiseksi. Joissakin tapauksissa lauluntekijä ei välttämättä käytä nuotteja ollenkaan, vaan sen sijaan säveltää kappaleen mielessään ja toistaa tai tallentaa sen muistista. Jazzissa ja populaarimusiikissa vaikutusvaltaisten esiintyjien merkittäville nauhoituksille annetaan painoarvo, jota kirjalliset partituurit soittavat klassisessa musiikissa.

Vaikka musiikki on merkitty suhteellisen tarkasti, kuten klassisessa musiikissa, esiintyjän on tehtävä monia päätöksiä, koska notaatio ei määritä kaikkia musiikin elementtejä tarkasti. Aiemmin sävelletyn ja merkityn musiikin esittämistavan määrittämisprosessia kutsutaan "tulkinnoksi". Eri esiintyjien tulkinnat samasta musiikkiteoksesta voivat vaihdella suuresti valittujen temppujen ja soitto- tai laulutyylin tai melodioiden muotoilun suhteen. Säveltäjät ja lauluntekijät, jotka esittävät omaa musiikkiaan, tulkitsevat kappaleitaan aivan yhtä paljon kuin ne, jotka esittävät muiden musiikkia. Tavanomaisia ​​valintoja ja tekniikoita, jotka ovat läsnä tiettynä ajankohtana ja tietyssä paikassa, kutsutaan esityskäytännöksi , kun taas tulkintaa käytetään yleensä esiintyjän yksilöllisiin valintoihin.

Vaikka sävellys käyttää usein nuotteja ja sillä on yksi tekijä, näin ei aina ole. Musiikkiteoksella voi olla useita säveltäjiä, mikä esiintyy usein populaarimusiikissa, kun bändi tekee yhteistyötä kappaleen kirjoittamiseksi, tai musiikkiteatterissa, kun yksi henkilö kirjoittaa melodiat, toinen henkilö kirjoittaa sanat ja kolmas henkilö orkestroi kappaleet. . Joissakin musiikkityyleissä, kuten bluesissa , säveltäjä/lauluntekijä voi luoda, esittää ja tallentaa uusia kappaleita tai kappaleita kirjoittamatta niitä koskaan muistiinpanoihin. Musiikkikappale voi myös koostua sanoilla, kuvilla tai tietokoneohjelmilla, jotka selittävät tai huomauttavat, kuinka laulajan tai muusikon pitäisi luoda musiikillisia ääniä. Esimerkkejä ovat avantgarde-musiikki, joka käyttää graafista merkintää , tekstikoostumuksiin, kuten Aus den sieben Tagen , tietokoneohjelmiin, jotka valitsevat ääniä musiikkikappaleille. Musiikkia, joka käyttää paljon satunnaisuutta ja sattumaa, kutsutaan aleatoriseksi musiikiksi , ja se liittyy 1900 -luvulla aktiivisiin nykyajan säveltäjiin, kuten John Cage , Morton Feldman ja Witold Lutosławski . Entistä yleisesti tunnettu esimerkki sattuman-pohjaista musiikkia on ääni tuulikello jingling tuulta.

Sävellystutkimusta on perinteisesti hallinnut länsimaisen klassisen musiikin menetelmien ja käytäntöjen tarkastelu, mutta sävellyksen määritelmä on riittävän laaja sisältämään populaarimusiikin ja perinteisen musiikin kappaleiden ja instrumentaalikappaleiden luomista sekä spontaanisti improvisoituja teoksia, kuten ilmaiset jazz -esiintyjät ja afrikkalaiset lyömäsoittimet, kuten Ewe -rumpalit .

Merkintä

Nuotit on kirjallinen esitys musiikista. Homorytminen (eli hymni -tyylinen) järjestely perinteisestä " Adeste Fideles " -standardista kahden hengen standardimuodossa sekaäänille .

2000 -luvulla musiikkimerkinnät tarkoittavat tyypillisesti nuottien ja rytmien kirjallista ilmaisua paperilla symboleja käyttäen. Kun musiikki kirjoitetaan muistiin, musiikin sävelkorkeudet ja rytmi, kuten melodian nuotit , merkitään muistiin . Musiikkimerkinnät tarjoavat myös usein ohjeita musiikin esittämisestä. Esimerkiksi kappaleen nuotit voivat ilmoittaa, että kappale on "hidas blues" tai "nopea swing", joka osoittaa tempoa ja tyylilajia. Musiikkimerkintöjen lukemiseksi henkilöllä on oltava ymmärrys musiikkiteoriasta , harmoniasta ja tietyn kappaleen tai kappaleen tyylilajiin liittyvästä esityskäytännöstä .

Kirjallinen merkintä vaihtelee musiikin tyylin ja ajanjakson mukaan. 2000 -luvulla notattua musiikkia tuotetaan nuotteina tai, jos henkilöllä on tietokonepisteiden kirjoittajaohjelma , kuvanna tietokoneen näytöllä . Muinaisina aikoina nuotit merkittiin kivi- tai savitauluille. Esittääkseen musiikkia notaatioista laulaja tai instrumentalisti vaatii ymmärrystä symboleihin sisältyvistä rytmisistä ja sävelkorkeuksista elementeistä ja musiikkikappaleeseen tai -lajiin liittyvästä esityskäytännöstä. Lajeissa, jotka vaativat musiikillista improvisointia , esiintyjä soittaa usein musiikista, jossa vain kappaleen sointu muuttuu ja muoto on kirjoitettu.Se edellyttää, että esiintyjä ymmärtää hyvin musiikin rakenteen, harmonian ja tietyn tyylilajin tyylit (esim. Jazz) tai kantrimusiikkia ).

Länsimaisessa taidemusiikissa yleisimpiä kirjallisia nuotteja ovat partituurit, jotka sisältävät kaikki yhtyekappaleen musiikkiosat ja osat, jotka ovat yksittäisten esiintyjien tai laulajien nuotit. Populaarimusiikin, jazz ja blues, standardi nuottimerkein on lyijylevy , joka notates melodia, soinnut, sanat (jos se on laulu kappale), ja rakenne musiikin. Fake -kirjoja käytetään myös jazzissa; Ne voivat sisältää lyijyä levyinä tai yksinkertaisesti sointu kaavioita, jotka sallivat rytmiryhmä jäseniä improvisoida lisä osa jazz-kappaleet. Partituureja ja osia käytetään myös populaarimusiikissa ja jazzissa, erityisesti suurissa yhtyeissä, kuten jazz " big bändeissä ". Populaarimusiikissa kitaristit ja sähköbassot lukevat usein tabulatuurilla merkittyä musiikkia (usein lyhennettynä "tab"), mikä osoittaa instrumentilla soitettavien nuottien sijainnin käyttämällä kitaran tai bassolevyn kaaviota. Tablaturea käytettiin myös barokin aikakaudella merkitsemään musiikkia luutulle , kieliselle, nauhoitetulle instrumentille.

Improvisaatio

Improvisaatiolla on keskeinen rooli jazzissa; muusikot oppivat etenemisen asteikko- ja sointuäänien avulla (kuvassa on Johnny Hodges )

Musiikki-improvisaatio on spontaanin musiikin luomista, usein olemassa olevan harmonisen kehyksen tai sointujen etenemisen puitteissa (tai perustuen siihen) . Improvisaattorit käyttävät soinun nuotteja, eri asteikkoja, jotka liittyvät jokaiseen sointuun, sekä kromaattisia koristeita ja kulkuvävyjä, jotka eivät välttämättä ole sointuääniä tai sointuun liittyviä tyypillisiä asteikkoja. Musiikki -improvisaatio voidaan tehdä valmistautumalla tai ilman. Improvisaatio on tärkeä osa tietyntyyppistä musiikkia, kuten bluesia , jazzia ja jazzfuusioa , jossa instrumentaaliset esiintyjät improvisoivat sooloja, melodioita ja säestysosia.

Länsimaisessa taidemusiikkiperinteessä improvisaatio oli tärkeä taito barokin ja klassisen aikakauden aikana. Barokin aikakaudella esiintyjät improvisoivat koristeita ja basso continuo -näppäimistön soittajat improvisoivat sointuäänet perustuen hahmotettuun bassomerkintään . Samoin huippusolistien odotettiin pystyvän improvisoimaan kappaleita, kuten alkusoittoja . Klassisen aikakauden aikana sooloesittäjät ja laulajat improvisoivat virtuooseja kadensseja konserttien aikana.

Kuitenkin 20. vuosisadalla ja 21. vuosisadan alussa, kun "yleinen käytäntö" länsimainen taidemusiikkiesitys tuli institutionalisoiduksi sinfoniaorkestereissa, oopperataloissa ja baleteissa, improvisaatiolla on ollut pienempi rooli, koska yhä enemmän musiikkia merkittiin partituureilla ja osilla muusikot soittamaan. Samaan aikaan jotkut 20. ja 21. vuosisadan taidemusiikin säveltäjät ovat yhä enemmän sisällyttäneet improvisaation luovaan työhönsä. Vuonna Intian klassisen musiikin , improvisaatio on keskeinen osa ja olennainen kriteeri esityksiä.

Teoria

Musiikkiteoria kattaa musiikin luonteen ja mekaniikan. Siihen liittyy usein säveltäjien tekniikoita koskevien mallien tunnistaminen ja musiikin kielen ja notaation tarkastelu. Suuressa mielessä musiikkiteoria tislaa ja analysoi musiikin parametrit tai elementit - rytmi, harmonia ( harmoninen toiminto ), melodia , rakenne, muoto ja rakenne . Yleisesti ottaen musiikkiteoria voi sisältää minkä tahansa lausunnon, uskomuksen tai käsityksen musiikista tai musiikista. Ihmiset, jotka opiskelevat näitä ominaisuuksia, tunnetaan musiikkiteoreetikoina, ja he työskentelevät yleensä professoreina korkeakouluissa, yliopistoissa ja musiikkitarhoissa. Jotkut ovat soveltaneet akustiikkaa , ihmisen fysiologiaa ja psykologiaa selitykseen siitä, miten ja miksi musiikki nähdään . Musiikkiteoreetikot julkaisevat tutkimuksensa musiikkiteorian aikakauslehdissä ja yliopiston lehdistökirjoissa.

Elementit

Musiikissa on monia erilaisia ​​perusteita tai elementtejä. Käytettävän "elementin" määritelmän mukaan niihin voi kuulua sävelkorkeus, syke tai pulssi, tempo, rytmi, melodia, harmonia, rakenne, tyyli, äänien allokointi, sointi tai väri, dynamiikka, ilmaisu, artikulaatio, muoto ja rakenne . Musiikin elementit ovat näkyvästi esillä Australian, Ison -Britannian ja Yhdysvaltojen musiikin opetussuunnitelmissa. Kaikki kolme opetussuunnitelmaa määrittävät sävelkorkeuden, dynamiikan, soinnin ja tekstuurin elementteinä, mutta muut tunnistetut musiikin elementit eivät ole kaukana yleisesti sovituista. Alla on luettelo "musiikin elementtien" kolmesta virallisesta versiosta:

  • Australia: sävelkorkeus, sointi, rakenne, dynamiikka ja ilmaisu, rytmi, muoto ja rakenne.
  • UK: sävelkorkeus, sointi, rakenne, dynamiikka, kesto, tempo, rakenne.
  • USA: sävelkorkeus, sointi, rakenne, dynamiikka, rytmi, muoto, harmonia, tyyli/artikulaatio.

Yhdistyneen kuningaskunnan opetussuunnitelman osalta vuonna 2013 termi "asianmukainen musiikkimerkintöjä " lisättiin niiden elementtiluetteloon ja luettelon nimi muutettiin "musiikin elementeistä" "musiikin toisiinsa liittyviin ulottuvuuksiin". Musiikin toisiinsa liittyvät ulottuvuudet on lueteltu seuraavasti: sävelkorkeus, kesto, dynamiikka, tempo, sointi, rakenne, rakenne ja sopivat nuotit.

Ilmausta "musiikin elementit" käytetään useissa eri yhteyksissä. Kaksi yleisintä kontekstia voidaan erottaa kuvaamalla niitä "musiikin alkeellisiksi elementeiksi" ja "musiikin havaintoelementteiksi".

Alkeellinen

1800 -luvulla lauseita "musiikin elementit" ja "musiikin alkeet" käytettiin keskenään. Näissä asiakirjoissa kuvatut elementit viittaavat musiikin osa -alueisiin, joita tarvitaan muusikoksi tulemiseen. Viimeaikaiset kirjailijat, kuten Espie Estrella, näyttävät käyttävän ilmausta "musiikin elementit" samalla tavalla. Määritelmä, joka parhaiten kuvaa tätä käyttöä, on: "taiteen, tieteen jne. Alkeelliset periaatteet: kieliopin elementit". Yhdistyneen kuningaskunnan opetussuunnitelman siirtyminen "musiikin toisiinsa liittyviin ulottuvuuksiin" näyttää siirtymiseltä takaisin musiikin alkeellisten elementtien käyttöön.

Havainnollinen

Psykoakustiikan tutkimuksen syntymän jälkeen 1930 -luvulla useimmat musiikin elementtiluettelot ovat liittyneet enemmän siihen, miten kuulemme musiikkia kuin siihen, miten opimme soittamaan tai tutkimaan sitä. CE Seashore tunnisti kirjassaan Psychology of Music neljä "äänen psykologista ominaisuutta". Nämä olivat: "sävelkorkeus, kovuus, aika ja sointi" (s. 3). Hän ei kutsunut niitä "musiikin elementteiksi", vaan viittasi niihin "alkuaineosina" (s. 2). Siitä huolimatta nämä elementtikomponentit linkittyvät täsmälleen neljän yleisimmän musiikillisen elementin kanssa: "Pitch" ja "timbre" sopivat täsmälleen, "äänenvoimakkuus" dynamiikkaan ja "time" linkit aikapohjaisiin rytmin, keston ja tempo. Tämä ilmauksen "musiikin elementit" käyttö liittyy läheisemmin Websterin New 20th Century Dictionary -elementin määritelmään seuraavasti: "aine, jota ei voida jakaa yksinkertaisempaan muotoon tunnetuin menetelmin", ja oppilaitosten elementtiluettelot myös tällä määritelmällä.

Vaikka "alkeellisten musiikkielementtien" luetteloiden kirjoittajat voivat vaihdella luettelojaan henkilökohtaisten (tai institutionaalisten) prioriteettiensa mukaan, musiikin havaintoelementtien tulisi koostua vakiintuneesta (tai todistetusta) luettelosta erillisistä elementeistä, joita voidaan käsitellä itsenäisesti saavuttaakseen tarkoitettu musiikillinen vaikutus. Tässä vaiheessa näyttää siltä, ​​että tällä alalla on vielä tutkimusta.

Hieman erilainen tapa lähestyä musiikin elementtien tunnistamista on tunnistaa " äänen elementit ": sävelkorkeus , kesto , voimakkuus , sointi , äänirakenne ja tilakohtainen sijainti ja määritellä sitten "musiikin elementit" : ääni, rakenne ja taiteellinen tarkoitus.

Kuvaukset

Piki ja melodia

Pitch on piirre, äänen, että voimme kuulla, mikä myös yksi musiikillinen ääni, huomata, tai sävy on "korkeampi" tai "alempi" kuin toinen musiikillinen ääni, huomata, tai sävy. Voimme puhua äänen korkeudesta tai matalasta yleisemmässä merkityksessä, kuten tavasta, jolla kuuntelija kuulee lävistävän korkean pikolo -nuotin tai viheltävän äänen korkeammalla äänenvoimakkuudella kuin bassorummun syvällä paukulla . Puhumme myös sävelkorkeudesta täsmällisessä merkityksessä, joka liittyy musiikillisiin melodioihin , bassoihin ja sointuihin . Tarkka äänenvoimakkuus voidaan määrittää vain äänissä, joiden taajuus on riittävän selkeä ja vakaa erottaakseen kohinasta. Esimerkiksi kuuntelijoiden on paljon helpompi havaita yksittäisen pianolla soitetun nuotin korkeus kuin yrittää erottaa lyöneen symbaalin sävelkorkeus .

Melodia perinteiselle kappaleelle " Pop Goes the Weasel "

Melodia (jota kutsutaan myös "virittää") on sarja kentillä (setelit) sounding peräkkäin (yksi toisensa jälkeen), usein nouseva ja laskeva kuvio. Melodian nuotit luodaan tyypillisesti sävelkorkeusjärjestelmillä, kuten asteikolla tai moodilla . Melodiat sisältävät usein myös nuotteja kappaleessa käytetyistä sointuista. Melodioita yksinkertaisissa kansanlauluja ja perinteisiä kappaleita voi käyttää vain muistiinpanoja yhden mittakaavassa, mittakaava liittyvä tonic huomautuksen tai avaimen tietyn kappaleen. Esimerkiksi C -avaimen kansanlaulussa (jota kutsutaan myös C -duuriksi) voi olla melodia, joka käyttää vain C -duurin askelia (yksittäiset nuotit C, D, E, F, G, A, B) , ja C; nämä ovat " valkoisia nuotteja " pianonäppäimistöllä . Toisaalta Bebop -era -jazz 1940 -luvulta ja nykymusiikki 1900- ja 21 -luvuilta voivat käyttää melodioita, joissa on monia kromaattisia nuotteja (so. suurten asteikon nuotteihin; pianolla kromaattinen asteikko käsittäisi kaikki näppäimistön nuotit, mukaan lukien "valkoiset nuotit" ja "mustat nuotit" ja epätavalliset asteikot, kuten koko sävyasteikko (koko sävyasteikko) C -näppäimessä olisi nuotit C, D, E, F , G ja A ). Matalaa , syvää musiikkilinjaa, jota soittavat bassoinstrumentit, kuten kontrabasso, sähköbasso tai tuuba, kutsutaan bassolinjaksi .

Harmoniaa ja sointuja

Kun muusikot soittavat kolme tai useampia eri nuotteja samanaikaisesti, tämä luo sointu . Vuonna länsimaisen musiikin , kuten klassinen musiikki, pop, rock-musiikkia, ja monet liittyvät tyylejä, yleisin sointuja ovat kolmi- - kolme huomautusta yleensä pelataan samanaikaisesti. Yleisimmin käytetyt soinnut ovat pääsointu ja pieni sointu . Esimerkki suuresta soinnusta on kolme sävellystä C, E ja G. Esimerkki pienestä soinnusta on kolme kohtaa A, C ja E. (Kuvassa kitaristi, joka esittää sointua kitaralla).

Harmonia viittaa musiikin "pystysuoriin" ääniin, mikä tarkoittaa ääniä, joita soitetaan tai lauletaan yhdessä samanaikaisesti sointeen luomiseksi . Yleensä tämä tarkoittaa, että nuotit soitetaan samanaikaisesti, vaikka harmoniaan voi viitata myös melodia, joka hahmottaa harmonisen rakenteen (eli käyttämällä melodisia nuotteja, joita soitetaan peräkkäin ja joissa esitetään soinun nuotit). Musiikissa, joka on kirjoitettu major-minor- tonaalijärjestelmällä ("avaimet"), joka sisältää suurimman osan klassisesta musiikista, joka on kirjoitettu vuosina 1600-1900, sekä useimmat länsimaiset pop-, rock- ja perinteiset musiikit, kappaleen avain määrittää käytettävän asteikon "kodin muistiinpanon" tai avaimen tonicin ympärillä . Yksinkertaiset klassiset kappaleet ja monet pop- ja perinteiset musiikkikappaleet on kirjoitettu siten, että kaikki musiikki on yhdellä avaimella. Monimutkaisemmat Klassisen, pop- ja perinteisen musiikin kappaleet ja kappaleet voivat sisältää kaksi näppäintä (ja joissakin tapauksissa kolme tai useampia näppäimiä). Klassinen musiikki romantiikan ajalta (kirjoitettu noin 1820–1900) sisältää usein useita avaimia, samoin kuin jazz , erityisesti Bebop -jazz 1940 -luvulta, jossa kappaleen avain tai "kotimuistio" voi muuttua neljän palkin tai jopa jokaisen kaksi baaria.

Rytmi

Rytmi on äänien ja hiljaisuuden järjestely ajassa. Mittari animoi ajan säännöllisissä pulssiryhmissä, joita kutsutaan mittauksiksi tai palkeiksi , jotka länsimaisessa klassisessa, suositussa ja perinteisessä musiikissa ryhmittävät usein nuotteja kahden (esim. 2/4 kertaa), kolmen (esim. 3/4 kertaa, tunnetaan myös) sarjoina kuten valssi aikaa tai 3/8 kertaa), tai neljä (esim 4/4 aikaa). Mittarien kuuleminen on helpompaa, koska kappaleet ja kappaleet korostavat usein (mutta ei aina) kunkin ryhmän ensimmäistä lyöntiä. Merkittäviä poikkeuksia on olemassa, kuten backbeat käytetään paljon Länsi pop- ja rock, jossa laulu, joka mittaa muun, joka koostuu neljästä lyöntiä (kutsutaan 4/4 aikaa tai yhteinen aika ) on aksentti lyöntiä kaksi ja neljä, jotka ovat tyypillisesti rumpali suorittaa virvelirumpulla , joka on kova ja erottuva kuuloinen lyömäsoitin. Pop- ja rock-musiikissa kappaleen rytmiosia soittaa rytmiosio , joka sisältää sointuinstrumentteja (esim. Sähkökitara, akustinen kitara, piano tai muut näppäimistöinstrumentit), basso-instrumentin (tyypillisesti sähköbasson tai jotkut tyylit, kuten jazz ja bluegrass , kontrabasso) ja rumpusoitin.

Rakenne

Musiikkirakenne on musiikin tai kappaleen kokonaisääni. Kappaleen tai kappaleen tekstuuri määräytyy sen mukaan, miten melodiset, rytmiset ja harmoniset materiaalit yhdistetään sävellykseen, mikä määrittää kappaleen äänen yleisen luonteen. Tekstuuria kuvataan usein suhteessa alhaisimpien ja korkeimpien sävyjen tiheyteen, paksuuteen ja alueeseen tai leveyteen sekä erotetaan tarkemmin äänten tai osien lukumäärän ja näiden äänien välisen suhteen perusteella (katso yleisimmät tyypit alla). Esimerkiksi paksu rakenne sisältää monia instrumenttikerroksia. Yksi näistä kerroksista voi olla merkkijono tai toinen messinki. Paksuuteen vaikuttavat myös instrumenttien määrä ja rikkaus. Rakenne on yleisesti kuvattu mukaan määrä ja suhde osien tai riviä musiikki:

Musiikilla, joka sisältää suuren määrän itsenäisiä osia (esim. Kaksoiskonserton 100 orkesterin soittimella, joissa on monia toisiinsa kietoutuvia melodisia linjoja), sanotaan yleensä olevan "paksumpi" tai "tiheämpi" rakenne kuin teoksessa, jossa on vähän osia (esim. Yksin huilu melodia liittää vain yksi sello).

Timbre tai "sävyn väri"

Timbre , jota joskus kutsutaan "väri" tai "sävyväri", on äänen tai instrumentin laatu tai ääni. Timbre tekee tietyn musiikillisen äänen erilaiseksi toisesta, vaikka niillä olisi sama äänenvoimakkuus ja äänenvoimakkuus. Esimerkiksi 440 Hz: n nuotti kuulostaa erilaiselta, kun sitä soitetaan oboella , pianolla, viululla tai sähkökitaralla. Vaikka saman soittimen eri soittajat soittavat samaa nuottia, niiden nuotit saattavat kuulostaa erilaisilta johtuen instrumenttitekniikan eroista (esim. Erilaiset koristeet ), erityyppisistä lisävarusteista (esim. Suukappaleet vaskisoittajille, ruoko oboelle ja fagotille) tai kielet, jotka on valmistettu eri materiaaleista kielisoittimille (esim. suolen kielet ja teräslangat ). Jopa kaksi instrumentalistia, jotka soittavat samaa nuottia samalla instrumentilla (yksi toisensa jälkeen), voivat kuulostaa erilaisilta eri soittotapojen vuoksi (esim. Kaksi kielisoitinta voi pitää keulaa eri tavalla).

Äänen fyysiset ominaisuudet, jotka määrittävät soinnin tuntemuksen , sisältävät nuotin tai musiikillisen äänen spektrin , kirjekuoren ja ylääänet . Sillä sähköinen välineitä kehitettiin 1900-luvulla, kuten sähkökitara, sähköbasso ja sähköpiano , esiintyjä voi myös muuttaa äänen säätämällä taajuuskorjain valvonta , äänen säätimet väline, ja käyttämällä elektronisia vaikutuksia yksiköitä kuten säröä polkimet. Sähköisten Hammond -urkujen sävyä ohjataan säätämällä vetoaisoja .

Ilmaisu

Laulajat lisäävät ilmaisua laulamiinsa melodioihin useilla tavoilla, mukaan lukien laulun sävyn muuttaminen, vibraton lisääminen tiettyihin nuotteihin ja tekstin tärkeiden sanojen korostaminen.

Ilmaisullisia ominaisuuksia ovat ne musiikin elementit, jotka luovat musiikkiin muutoksia muuttamatta pääääntä tai muuttamatta olennaisesti melodian ja sen säestyksen rytmejä. Esiintyjät, kuten laulajia ja instrumentalisteja, voi lisätä musiikillinen ilmaisu kappaletta tai pala lisäämällä fraseeraus , lisäämällä vaikutuksia, kuten vibrato (ääni- ja joitakin välineitä, kuten kitara, viulu, messinki välineitä, ja puupuhaltimet), dynamiikka (äänekkyys tai pehmeyttä pala tai osa siitä), tempo vaihteluita (esim ritardandon tai accelerando , jotka ovat vastaavasti hidastaa ja nopeuttaa tempoa), lisäämällä taukoja tai fermaatin on kadenssi , ja muuttamalla artikulaatio muistiinpanoja (esim. muistiinpanojen korostaminen tai korostaminen, tekemällä muistiinpanoista enemmän legato , mikä tarkoittaa sujuvaa yhdistämistä tai tekemällä muistiinpanoista lyhyempiä).

Ilmaisu saavutetaan manipuloimalla sävelkorkeutta (kuten taipuma, vibrato, diat jne.), Äänenvoimakkuutta (dynamiikka, aksentti, tremolo jne.), Kestoa (tempoheilahtelut, rytmimuutokset, nuotin keston muuttaminen, kuten legato ja staccato jne.) .), sointi (esim. lauluäänen muuttaminen kevyestä resonanssiksi) ja joskus jopa tekstuuri (esim. bassoäänen kaksinkertaistaminen, jotta saadaan aikaan rikkaampi vaikutus pianokappaleessa). Näin ollen ilmaisua voidaan pitää kaikkien elementtien manipulointina, jotta voidaan välittää "osoitus mielialasta, hengestä, luonteesta jne." eikä sellaisenaan voida sisällyttää musiikin ainutlaatuiseksi havaintoelementiksi, vaikka sitä voidaan pitää tärkeänä musiikin alkeellisena elementtinä.

Lomake

Nuotit nuotille joululaulun " Jingle Bells " kuorolle (pidättyä)

Musiikissa muoto kuvaa kappaleen tai musiikkikappaleen rakennetta tai suunnitelmaa, ja se kuvaa sävellyksen asettelua osiin jaettuna. 1900 -luvun alussa Tin Pan Alleyn kappaleet ja Broadwayn musiikkikappaleet olivat usein AABA 32 -pylväsmuotoa , jossa A -osiot toistivat saman kahdeksan palkin melodian (vaihtelulla) ja B -osa tarjosi kontrastisen melodian tai harmonian kahdeksalle palkkiin . 1960-luvulta lähtien länsimaiset pop- ja rock-kappaleet ovat usein jae-kuoromuodossa , joka perustuu jae- ja kuoro- osioihin ("pidättyä"). Uusilla sanoituksilla useimmille jakeille ja toistuvilla sanoituksilla kuoroille. Suosittu musiikki käyttää usein strofista muotoa , joskus yhdessä kahdentoista baariblusiin kanssa .

Kymmenennessä painoksessa Oxford Companion to Music , Percy Scholes määrittelee musiikillisen muodossa "sarja strategioita löytää onnistuneen keskiarvo vastakkaisen ääripään lohduton toistoa ja lohduton muutoksia." Esimerkkejä länsimaisen musiikin yleisistä muodoista ovat fuuga , keksintö , sonata-allegro , kaanon , strofinen , teema ja muunnelmat sekä rondo .

Scholes todetaan Euroopan klassisen musiikin oli vain kuusi erillisenä muodoissa: yksinkertainen kaksijakoinen, yksinkertainen kolmen komponentin yhdiste binary, Rondo ilma vaihteluita, ja fuuga (vaikka musicologist Alfred Mann korosti, että fuuga on ensisijaisesti menetelmä koostumuksen, joka on joskus ottanut tietyistä rakenteellisista sopimuksista.)

Jos teosta ei voida helposti jakaa osiin (vaikka se voisi lainata jonkin muodon runosta, tarinasta tai ohjelmasta ), sen sanotaan olevan sävelletty läpikotaisin . Näin on usein fantasian , alkusoiton , rapsoodian , etudin (tai tutkimuksen), sinfonisen runon , Bagatellen , improvisoidun jne. Tapauksessa .

Tyylien analyysi

Funk korostaa eniten rytmiä ja groovea , ja kokonaiset kappaleet perustuvat vampiin yhdellä soinnulla. Kuvassa vaikuttavat funk-muusikot George Clinton ja Parliament-Funkadelic vuonna 2006.

Jotkut musiikkityylit korostavat tiettyjä näistä perusteista, kun taas toiset korostavat vähemmän tiettyjä elementtejä. Esimerkkinä voidaan mainita, että vaikka Bebop -era -jazz käyttää erittäin monimutkaisia ​​sointuja, mukaan lukien muuttuneet dominantit ja haastavat sointujen etenemiset , soinnut vaihtuvat kaksi tai useampia kertoja baaria kohden ja näppäimet muuttuvat useita kertoja sävelmässä, funk korostaa suurinta osaa rytmi ja groove , kokonaisia ​​kappaleita, jotka perustuvat vampiin yhdellä soinnulla. Vaikka romantiikan klassisen musiikin puolivälistä myöhään-1800 tekee suuren käyttää dramaattisia muutoksia dynamiikkaa, mistä kuiskaten pianissimossa osioita myrskyisiä fortissimo osiin, jotkut koko barokki tanssin sviittiä cembalo peräisin 1700-luvun alussa voi käyttää yhtä dynaaminen. Toinen esimerkki: vaikka jotkut taidemusiikkikappaleet , kuten sinfoniat, ovat hyvin pitkiä, jotkut pop -kappaleet ovat vain muutaman minuutin pitkiä.

Historia

Esihistoria

Esihistoriallista musiikkia voidaan teoretisoida vain paleoliittisten arkeologisten kohteiden löydösten perusteella . Usein löydetään huiluja, jotka on veistetty luista, joihin on rei'itetty sivureiät; näiden uskotaan puhalletun toisesta päästä kuin japanilainen shakuhachi . Divje Babe huilu , veistetty luolakarhun reisiluun , ajatellaan olevan vähintään 40000 vuotta vanha, vaikka siellä on huomattavaa keskustelua surronding wheter se on todella jotakin instrumenttia tai esineen muodostama eläimiä. Välineet, kuten seitsemän reikäinen huilu ja erityyppiset kielisoittimet , kuten Ravanahatha , on löydetty Induksen laakson sivilisaation arkeologisista kohteista. Intialla on yksi maailman vanhimmista musiikkiperinteistä - viittauksia intialaiseen klassiseen musiikkiin ( marga ) löytyy Vedoista , muinaisista hindulaisten perinteiden kirjoituksista . Varhaisin ja suurin esihistoriallisten soittimien kokoelma löytyi Kiinasta, ja se on peräisin vuosilta 7000 - 6600 eaa. " Hurrian Hymn to Nikkal ", joka löytyy savitauluilta, jotka ovat peräisin noin 1400 eaa., On vanhin säilynyt notattu musiikkiteos.

Muinainen Egypti

Amunin muusikot , Nakhtin hauta , 18. dynastia , Länsi -Theba

Varhaisimmat aineelliset ja edustavat todisteet egyptiläisistä soittimista ovat ennenaikaiselta ajalta , mutta todisteet on varmemmin todistettu Vanhassa kuningaskunnassa, kun soitettiin harppuja , huiluja ja kaksoisklarinetteja . Lähi -kuningaskunta lisäsi orkesteriin lyömäsoittimet, lyyrat ja luutut . Symbaalit seurasivat usein musiikkia ja tanssia, aivan kuten he tekevät edelleen Egyptissä . Egyptin kansanmusiikki , mukaan lukien perinteiset Sufi dhikr rituaaleja, ovat lähinnä nykyaikaista musiikkia genre on muinaisen Egyptin musiikkiin, säilyttäneet sen monia ominaisuuksia, rytmit ja välineitä.

Aasian kulttuurit

Intialaiset naiset, jotka ovat pukeutuneet alueelliseen pukeutumiseen ja soittavat erilaisia ​​soittimia, jotka ovat suosittuja eri puolilla Intiaa
Gangubai Hangal
Durga



Aasian musiikki kattaa laajan joukon musiikkikulttuureja, joita on tutkittu artikkeleissa Arabiasta , Keski -Aasiasta , Itä -Aasiasta , Etelä -Aasiasta ja Kaakkois -Aasiasta . Monilla on muinaisuuteen ulottuvia perinteitä.

Intialainen klassinen musiikki on yksi maailman vanhimmista musiikkiperinteistä. Indus-kulttuuri on veistoksia, jotka osoittavat tanssi ja vanhoja soittimia, kuten seitsemän rei'itetty huilu. Sir Mortimer Wheelerin suorittamien kaivausten yhteydessä Harappa ja Mohenjo Daro ovat löytäneet erityyppisiä kielisoittimia ja rumpuja . Rigveda on elementtejä läsnä intialaista musiikkia, jossa nuottimerkein ilmaisemaan mittarin ja tila laulamassa. Intian klassisen musiikin (Marga) on Yksiääniset, ja perustuu yhteen melodia tai raga rytmisesti organisoitu Talas . Silappadhikaram mukaan Ilango Adigal tarjoaa tietoa siitä, miten uusi vaaka voidaan muodostaa modaalinen siirtyminen tonic olemassa olevasta mittakaavassa. Nykypäivän hindimusiikkiin vaikuttivat persialainen perinteinen musiikki ja afganistanilaiset mogulit. Eteläisissä osavaltioissa suosittu karnaattinen musiikki on suurelta osin hartautta; suurin osa kappaleista on osoitettu hindulaisille jumalille. On myös monia lauluja, joissa korostetaan rakkautta ja muita sosiaalisia kysymyksiä.

Kiinan klassisella musiikilla , Kiinan perinteisellä taiteella tai hovimusiikilla, on historia, joka ulottuu noin kolmetuhatta vuotta. Sillä on omat ainutlaatuiset järjestyksensä musiikkimerkintöihin sekä musiikin viritys ja sävelkorkeus, soittimet ja tyylit tai musiikkilajit. Kiinalainen musiikki on pentatonista-diatonista, ja sen asteikko on kaksitoista oktaavia (5 + 7 = 12), samoin kuin eurooppalaisvaikutteinen musiikki.

Muinainen Kreikka

Musiikki oli tärkeä osa muinaisen Kreikan sosiaalista ja kulttuurista elämää , itse asiassa se oli yksi lapsille opetetuista pääaiheista. Musiikkiopetusta pidettiin tärkeänä yksilön sielun kehittymiselle. Muusikot ja laulajat oli merkittävä rooli Kreikan teatterin ja niitä, jotka saivat musiikkididaktiikka nähtiin aatelisten ja täydellisessä sopusoinnussa (kuten voimme lukea tasavallassa, Platon ) molemmille sukupuolille kuoroja suoritetaan viihde, juhla, ja hengellisen seremonioita . Pyhän muinaisen kreikkalaisen musiikin katsotaan olevan esimerkki täydellisyydestä ja puhtaudesta. Välineisiin kuului kaksoisruokoinen aulos ja kynitty kielisoitin , lyra , lähinnä erikoislaji, jota kutsutaan kitharaksi . Musiikki oli tärkeä osa koulutusta, ja pojille opetettiin musiikkia kuusivuotiaasta alkaen. Kreikan musiikkilukutaito loi musiikin kehityksen kukinnan. Kreikan musiikkiteoria sisälsi kreikkalaiset musiikkitavat , joista tuli lopulta länsimaisen uskonnollisen ja klassisen musiikin perusta . Myöhemmin vaikutteet Rooman valtakunnasta , Itä -Euroopasta ja Bysantin valtakunnasta muuttivat kreikkalaista musiikkia. Seikilos muistokirjoitus on vanhin säilynyt esimerkki täydellisestä musiikkiteoksen lukien nuottikirjoituksena mistä päin maailmaa tahansa. Vanhin säilynyt teos kirjoitettu aiheesta musiikin teorian Harmonika Stoicheia mukaan Aristoksenos .

Länsimainen klassikko

Keskiaika

Leonin tai Perotin
Breves kuolee hominis
Nootti katolisesta missalista , n. 1310–1320

Keskiaikainen aikakausi (476-1400), joka tapahtui keskiajalla , alkoi käyttöönotto yksiääniset (single melodinen linja) laulamassa osaksi katolisen kirkon palveluja. Musiikkimerkintöjä käytettiin muinaisista ajoista lähtien kreikkalaisessa kulttuurissa , mutta keskiajalla notaatio otettiin ensimmäisen kerran käyttöön katolisessa kirkossa, jotta laulumelodiat voitaisiin kirjoittaa muistiin, helpottaakseen samojen melodioiden käyttöä uskonnollisessa musiikissa kaikkialla katolisessa imperiumi. Ainoa eurooppalainen keskiaikainen ohjelmisto, joka on löydetty kirjallisessa muodossa ennen vuotta 800, on roomalaiskatolisen kirkon monofoninen liturginen tasainen laulu, jonka keskeistä perinnettä kutsuttiin gregoriaaniseksi lauluksi . Näiden pyhän ja kirkkomusiikin perinteiden rinnalla oli elinvoimainen maallisen laulun perinne (ei-uskonnolliset laulut). Esimerkkejä säveltäjien tämän ajan ovat Leonin , PEROTIN , Guillaume de Machaut ja Walther von der Vogelweiden .

renessanssi

TL de Victoria
Amicus meus
Musiikin allegoria, Filippino Lippi

Renessanssimusiikki (n. 1400–1600) keskittyi enemmän maallisiin (ei-uskonnollisiin) teemoihin, kuten kohteliaaseen rakkauteen . Noin vuonna 1450 keksittiin painokone , joka teki painetusta nuotista paljon halvempaa ja helpompaa valmistaa massatuotannossa (ennen painokoneen keksimistä kaikki nuotit on kopioitu käsin). Nuottien lisääntynyt saatavuus auttoi levittämään musiikkityylejä nopeammin ja laajemmalle alueelle. Muusikot ja laulajat työskentelivät usein kirkon, tuomioistuinten ja kaupunkien hyväksi. Kirkon kuorot kasvoivat, ja kirkko pysyi tärkeänä musiikin suojelijana. 1500 -luvun puoliväliin mennessä säveltäjät kirjoittivat runsaasti moniäänistä pyhää musiikkia, jossa eri melodiat yhdistettiin samanaikaisesti. Tämän aikakauden kuuluisia säveltäjiä ovat Guillaume Dufay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley ja Orlande de Lassus . Kun musiikillinen toiminta siirtyi kirkosta aristokraattisiin pihoihin, kuninkaat, kuningattaret ja ruhtinaat kilpailivat parhaista säveltäjistä. Monet johtavat tärkeät säveltäjät tulivat Alankomaista, Belgiasta ja Pohjois -Ranskasta. Heitä kutsutaan ranskalais-flaamilaisiksi säveltäjiksi. Heillä oli tärkeitä tehtäviä kaikkialla Euroopassa, erityisesti Italiassa. Muita maita, joissa on vilkasta musiikillista toimintaa, olivat Saksa, Englanti ja Espanja.

Barokki

JS Bach
Toccata ja fuuga

Barokin ajan musiikkia tapahtui 1600-1750, kun barokki taiteellinen tyyli kukoisti kaikkialla Euroopassa; ja tänä aikana musiikki laajeni laajuudeltaan ja monimutkaisuudeltaan. Barokkimusiikki sai alkunsa, kun ensimmäiset oopperat (dramaattinen soololaulumusiikki orkesterin säestyksellä) kirjoitettiin. Barokin aikakaudella moniääninen kontrapunktinen musiikki, jossa käytettiin useita samanaikaisia ​​itsenäisiä melodialinjoja, pysyi tärkeänä (vastakohta oli tärkeä keskiajan laulumusiikissa). Saksalaiset barokkisäveltäjät kirjoittivat pienille yhtyeille, mukaan lukien jouset , messinki ja puupuhaltimet , sekä kuoroille ja kosketinsoittimille, kuten urkuille , cembalolle ja klavikordille . Tänä aikana määriteltiin useita suuria musiikkimuotoja, jotka kesti myöhempiin ajanjaksoihin, kun niitä laajennettiin ja kehitettiin edelleen, mukaan lukien fuuga , keksintö , sonaatti ja konsertto. Myöhäinen barokki oli moniäänisesti monimutkainen ja rikkaasti koristeltu. Tärkeitä barokin aikakauden säveltäjiä ovat Johann Sebastian Bach ( sellosviitit ), George Frideric Handel ( Messias ), Georg Philipp Telemann ja Antonio Lucio Vivaldi ( Neljä vuodenaikaa ).

Klassismi

WA Mozartin
sinfonia 40 g -molli
Wolfgang Amadeus Mozart (istui näppäimistön ääressä ) oli ihmelapsi -virtuoosiesittäjä pianolla ja viululla. Jo ennen kuin hänestä tuli kuuluisa säveltäjä, hänet tunnettiin laajalti lahjakkaana esiintyjänä ja improvisoijana.

Klassisen ajan (1730–1820) musiikin tarkoituksena oli jäljitellä sitä, mitä pidettiin muinaisen Kreikan ja Rooman taiteen ja filosofian keskeisinä elementteinä: tasapainon, suhteellisuuden ja kurinalaisen ilmaisun ihanteita. (Huomaa: klassisen ajan musiikkia ei pidä sekoittaa klassiseen musiikkiin yleensä, termillä, joka viittaa länsimaiseen taidemusiikkiin 5. vuosisadalta 2000 -luvulle, joka sisältää klassisen ajanjakson yhtenä useista ajanjaksoista). Klassisen ajan musiikilla on kevyempi, selkeämpi ja huomattavasti yksinkertaisempi tekstuuri kuin sitä edeltäneellä barokkimusiikilla . Tärkein tyyli oli Homofonia , jossa näkyvä melodia ja alaisen chordal säestyksen osa ovat selkeästi erilaiset. Klassiset instrumentaalimelodiat olivat yleensä lähes äänimaisia ​​ja laulavia. Uusia tyylilajeja kehitettiin, ja fortepiano , modernin pianon edeltäjä, korvasi barokin aikaisen cembalon ja putkielut tärkeimpänä kosketinsoittimena (vaikka putkielimiä käytettiin edelleen pyhässä musiikissa, kuten messuissa).

Instrumentaalimusiikille annettiin merkitys . Sitä hallitsivat alun perin barokin aikana määriteltyjen musiikkimuotojen edelleen kehittäminen: sonaatti , konsertto ja sinfonia . Muita päälajeja olivat trio , jousikvartetto , serenadi ja divertimento . Sonaatti oli tärkein ja kehittynein muoto. Vaikka barokin säveltäjät kirjoittivat myös sonaatteja, klassinen sonaattityyli on täysin erilainen. Kaikki klassisen aikakauden tärkeimmät instrumentaalimuodot jousikvartettoista sinfonioihin ja konsertteihin perustuivat sonaatin rakenteeseen. Kamarimusiikin ja orkesterin soittimista tuli enemmän standardoituja. Barokin aikakauden basso continuo -ryhmän sijasta , joka koostui cembalosta, uruista tai luutista sekä joukosta ryhmänjohtajan harkinnan mukaan valittuja basso -instrumentteja (esim. Viulu, sello, theorbo, käärme), klassiset kamariryhmät käytti määriteltyjä, standardoituja soittimia (esim. jousikvarteton esittäisivät kaksi viulua, alttoviulu ja sello). Barokin aikakauden improvisoitu sointusoitto Continuo-näppäimistöllä tai luutnilla lopetettiin vähitellen vuosina 1750–1800.

Yksi klassisen ajan tärkeimmistä muutoksista oli julkisten konserttien kehittäminen. Aristokratialla oli edelleen merkittävä rooli konserttien ja sävellysten sponsoroinnissa, mutta säveltäjien oli nyt mahdollista selviytyä olematta kuningattareiden tai ruhtinaiden vakituisia työntekijöitä. Klassisen musiikin kasvava suosio johti orkesterien määrän ja tyyppien kasvuun. Orkesterikonserttien laajeneminen edellytti suurten julkisten esiintymistilojen rakentamista. Sinfoninen musiikki, mukaan lukien sinfoniat, säestys balettiin ja sekoitetut laulu- ja instrumentaalilajit, kuten ooppera ja oratorio, tuli suositumpi.

Tunnetuimpia klassismin säveltäjiä ovat Carl Philipp Emanuel Bach , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven ja Franz Schubert . Beethovenia ja Schubertia pidetään myös säveltäjinä klassisen aikakauden loppupuolella, koska se alkoi siirtyä kohti romantiikkaa.

Romantiikka

Piano oli 1800-luvun keskiluokan kaupunkilaisten sosiaalisen toiminnan keskus ( Moritz von Schwind , 1868). Pianon mies on säveltäjä Franz Schubert .
R. Wagner
Die Walküre

1800 -luvun romanttisella musiikilla (n. 1810–1900) oli monia yhteisiä elementtejä aikakauden kirjallisuuden ja maalauksen romanttisten tyylien kanssa. Romantismi oli taiteellinen, kirjallinen ja älyllinen liike, jolle oli ominaista tunteiden ja yksilöllisyyden korostaminen sekä kaiken menneisyyden ja luonnon kirkastaminen. Romanttinen musiikki laajeni klassisen aikakauden jäykien tyylien ja muotojen ulkopuolelle intohimoisempiin, dramaattisempiin ilmeikkäisiin kappaleisiin ja kappaleisiin. Romanttiset säveltäjät, kuten Wagner ja Brahms, yrittivät lisätä musiikissaan emotionaalista ilmaisua ja voimaa kuvatakseen syvempiä totuuksia tai ihmisen tunteita. Sinfonisilla sävelrunoilla säveltäjät yrittivät kertoa tarinoita ja herättää kuvia tai maisemia instrumentaalimusiikin avulla. Jotkut säveltäjät kannattivat nationalistista ylpeyttä kansanmusiikin innoittamalla isänmaallisella orkesterimusiikilla . Musiikin emotionaaliset ja ilmaisulliset ominaisuudet tulivat etusijalle perinteisiin nähden.

Romanttiset säveltäjät kasvoivat omituisuudessa ja menivät pidemmälle synkretisminä tutkiessaan erilaisia ​​taidemuotoja musiikillisessa kontekstissa (kuten kirjallisuus), historiaa (historiallisia henkilöitä ja legendoja) tai itse luontoa. Romanttinen rakkaus tai kaipaus oli vallitseva teema monissa tänä aikana sävellettyissä teoksissa. Joissakin tapauksissa käytettiin edelleen klassisen ajan muodollisia rakenteita (esim. Jousikvartettoissa ja sinfonioissa käytetty sonaattimuoto ), mutta näitä muotoja laajennettiin ja muutettiin. Monissa tapauksissa uusia lähestymistapoja tutkittiin olemassa oleville tyylilajeille, muodoille ja toiminnoille. Lisäksi luotiin uusia lomakkeita, joiden katsottiin sopivan paremmin uuteen aiheeseen. Säveltäjät jatkoivat ooppera- ja balettimusiikin kehittämistä etsien uusia tyylejä ja teemoja.

1800 -luvun jälkeisinä vuosina Ludwig van Beethovenin ja Franz Schubertin kehittämä musiikki toi dramaattisemman ja ilmeikkäämmän tyylin. Beethovenin tapauksessa lyhyet , orgaanisesti kehitetyt aiheet korvasivat melodian merkittävimpänä kokoonpanoyksikkönä (esimerkki on hänen viidennessä sinfoniassaan käytetty erottuva neljän nuotin hahmo ). Myöhemmin romanttiset säveltäjät, kuten Pjotr ​​Iljits Tšaikovski , Antonín Dvořák ja Gustav Mahler, käyttivät epätavallisia sointuja ja enemmän dissonanssia luodakseen dramaattista jännitettä. He tuottivat monimutkaisia ​​ja usein paljon pidempiä musiikkiteoksia. Myöhäisen romantiikan aikana säveltäjät tutkivat dramaattisia tonaalisia kromaattisia muutoksia , kuten laajennettuja sointuja ja muutettuja sointuja , jotka loivat uusia ääni "värejä". 1800 -luvun lopulla orkesterin koko kasvoi dramaattisesti, ja teollinen vallankumous auttoi luomaan parempia soittimia ja luomaan tehokkaamman äänen. Julkisista konserteista tuli tärkeä osa hyvinvoivaa kaupunkiyhteiskuntaa . Se näki myös uuden monimuotoisuuden teatterimusiikissa , mukaan lukien operetti , musiikillinen komedia ja muut musiikkiteatterin muodot.

20. ja 21. vuosisata

1800 -luvulla yksi tärkeimmistä tavoista, joilla uudet sävellykset tulivat yleisön tietoon, oli nuottien myynti , jota keskiluokan amatöörimusiikin ystävät esittivät kotona pianollaan tai muilla yleisillä instrumenteillaan, kuten viululla. Kanssa 20-luvun musiikki , keksimään uusia sähkö teknologioiden kuten radiolähetykset ja massamarkkinoille saatavuus äänilevyt vuoksi äänitteet kappaleita ja kappaleita kuulee kuuntelijat (joko radiosta tai niiden levysoitin) tuli tärkein keino oppia uusia kappaleita ja kappaleita. Musiikin kuuntelu lisääntyi valtavasti, kun radio sai suosiota ja äänitteitä käytettiin musiikin toistamiseen ja jakeluun, koska 1800-luvulla nuotteihin keskittyminen rajoitti uuden musiikin saatavuuden keskiluokalle ja ylemmän luokan ihmisille. osaa lukea musiikkia ja omistaa pianoja ja soittimia, 1900 -luvulla kuka tahansa, jolla oli radio tai levysoitin, kuuli oopperat, sinfoniat ja bigbändit suoraan omassa olohuoneessaan. Tämä antoi pienituloisille ihmisille, joilla ei olisi koskaan varaa ooppera- tai sinfoniakonserttilippuun, kuulla tätä musiikkia. Se tarkoitti myös sitä, että ihmiset voivat kuulla musiikkia eri puolilta maata tai jopa eri puolilta maailmaa, vaikka heillä ei olisi varaa matkustaa näihin paikkoihin. Tämä auttoi levittämään musiikkityylejä.

Taidemusiikin painopiste 1900 -luvulla oli ominaista uusien rytmien, tyylien ja äänien etsiminen. Ensimmäisen maailmansodan kauhut vaikuttivat moniin taiteisiin, mukaan lukien musiikki, ja jotkut säveltäjät alkoivat tutkia tummempia, ankarampia ääniä. Säveltäjät käyttivät klassisen musiikin ideoiden lähteenä perinteisiä musiikkityylejä , kuten jazzia ja kansanmusiikkia . Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg ja John Cage olivat kaikki vaikutusvaltaisia ​​säveltäjiä 1900-luvun taidemusiikissa. Äänitallenteen keksiminen ja kyky muokata musiikkia synnyttivät uuden klassisen musiikin alalajin, mukaan lukien elektronisen sävellyksen akustiset ja musikaaliset konkretiat . Äänitallennus vaikutti myös suuresti suosittujen musiikkilajien kehitykseen, koska se mahdollisti kappaleiden ja bändien tallennusten laajan levityksen. Käyttöönotto moniraitaäänityksen järjestelmässä oli suuri vaikutus rock-musiikkia, koska se voisi tehdä paljon enemmän kuin tallentaa bändi suorituskykyä. Moniraitajärjestelmän avulla bändi ja heidän musiikkituottajansa voisivat liioitella useita instrumenttiraitojen ja laulun kerroksia ja luoda uusia ääniä, jotka eivät olisi mahdollisia live -esityksessä.

Jazz kehittyi ja siitä tuli tärkeä musiikkilaji 1900 -luvun aikana, ja tämän vuosisadan jälkipuoliskolla rock -musiikki teki saman. Jazz on amerikkalainen musiikkitaide, joka syntyi 1900 -luvun alussa afrikkalaisamerikkalaisissa yhteisöissä Etelä -Yhdysvalloissa afrikkalaisten ja eurooppalaisten musiikkiperinteiden yhtymäkohdasta . Tyylin länsiafrikkalainen sukutaulu näkyy sinisten nuottien , improvisoinnin , polyrytmien , synkronoinnin ja heilutetun nuotin käytössä .

Rock -musiikki on populaarimusiikin genre, joka kehittyi 1960 -luvulla 1950 -luvun rock and rollista , rockabillystä , bluesista ja kantrimusiikista . Ääni kiven usein pyörii sähkökitaran tai akustinen kitara, ja se käyttää vahvaa takaisin beat säädettyä jonka rytmiryhmä . Kitaran tai koskettimien ohella sooloinstrumentteina käytetään saksofonia ja blues-tyylistä huuliharppua. "Puhtaimmassa muodossaan" siinä "on kolme sointua, voimakas, sitkeä selkätahti ja tarttuva melodia". Populaarimusiikin perinteinen rytmiosa on rytmikitara, sähköbassokitara, rummut. Joillakin bändeillä on myös kosketinsoittimia, kuten urut, piano tai 1970 -luvulta lähtien analogiset syntetisaattorit . 1980-luvulla pop-muusikot alkoivat käyttää digitaalisia syntetisaattoreita, kuten DX-7- syntetisaattoria, elektronisia rumpukoneita , kuten TR-808, ja syntetisaattorilaitteita (kuten TB-303 ) tai syntetisaattorinäppäimistöjä . 1990 -luvulla käytettiin yhä laajempaa valikoimaa tietokoneistettuja musiikkilaitteita ja -laitteita sekä ohjelmistoja (esim. Digitaalisia äänityöasemia ). 2020 -luvulla pehmeät syntetisaattorit ja tietokonemusiikkisovellukset mahdollistavat makuuhuoneen tuottajien luoda ja tallentaa tietyntyyppistä musiikkia, kuten elektronista tanssimusiikkia kotonaan, lisätä näytteitä ja digitaalisia instrumentteja ja muokata tallennusta digitaalisesti. 1990 -luvulla jotkut bändit genreissä, kuten nu metal, alkoivat sisällyttää DJ : tä bändeihinsä. DJ: t luovat musiikkia manipuloimalla tallennettua musiikkia levysoittimilla tai CD -soittimilla DJ -mikserin avulla .

Innovaatiot musiikkitekniikassa jatkuivat 2000 -luvulle asti, mukaan lukien isomorfisten näppäimistöjen ja dynaamisen tonaalisuuden kehittäminen .

Esitys

Kiinalaiset naxilaiset muusikot
Assyrialaiset soittavat zurnaa ja Davulia , soittimia, jotka ulottuvat tuhansien vuosien taakse.

Esitys on musiikin fyysinen ilmaus, joka esiintyy, kun laulu lauletaan tai kun muusikot soittavat pianokappaleen, sähkökitaramelodian, sinfonian, rumputahdin tai muun musiikillisen osan . Klassisessa musiikissa säveltäjä on kirjoittanut musiikkiteoksen nuottimerkinnöillä , ja sitten se esitetään, kun säveltäjä on tyytyväinen sen rakenteeseen ja soittimeen. Kuitenkin, kun se esitetään, kappaleen tai kappaleen tulkinta voi kehittyä ja muuttua. Klassisessa musiikissa instrumentaaliesittäjät, laulajat tai kapellimestarit voivat vähitellen muuttaa kappaleen sanamuotoa tai tempoa. Suositussa ja perinteisessä musiikissa esiintyjillä on paljon enemmän vapautta tehdä muutoksia kappaleen tai kappaleen muotoon. Sellaisenaan suosittuissa ja perinteisissä musiikkityyleissä, vaikka bändi soittaa cover -kappaleen , he voivat tehdä siihen muutoksia, kuten lisätä kitarasooloa tai lisätä johdannon.

Suorituskyvyn voi joko suunnitella ulos ja harjoiteltu (harjoiteltu) -joka on normi klassisen musiikin, jazzin big band ja monet populaarimusiikin tyylejä-tai improvisoitu yli sointukulku (jono sointuja), joka on normi pienissä jazz- ja blues -ryhmät. Orkesterien, konserttibändien ja kuorojen harjoituksia johtaa kapellimestari. Rock-, blues- ja jazzbändejä johtaa yleensä bändijohtaja. Harjoitus on kappaleen tai kappaleen jäsennelty toistaminen esittäjien toimesta, kunnes se voidaan laulaa tai soittaa oikein, ja jos se on kappale tai kappale useammalle muusikolle, kunnes osat ovat yhdessä rytmisestä ja virittävästä näkökulmasta. Improvisaatio on musiikillisen idean-melodian tai muun musiikkilinjan-luominen paikan päällä, joka perustuu usein asteikkoihin tai olemassa oleviin melodisiin riffeihin .

Monilla kulttuureilla on vahvat sooloesityksen perinteet (joissa esiintyy yksi laulaja tai instrumentalisti), kuten intialaisessa klassisessa musiikissa ja länsimaisessa taidemusiikkiperinteessä. Muissa kulttuureissa, kuten Balilla , on vahvat ryhmäesityksen perinteet. Kaikissa kulttuureissa on sekoitus molempia, ja esitys voi vaihdella improvisoidusta soitosta erittäin suunniteltuihin ja järjestettyihin esityksiin, kuten moderni klassinen konsertti, uskonnolliset kulkueet, klassisen musiikin festivaalit tai musiikkikilpailut . Kamarimusiikkia , joka on musiikkia pienelle yhtyeelle, jossa on vain muutama kustakin instrumenttityypistä, pidetään usein intiimimpänä kuin suuria sinfonisia teoksia.

Suullinen ja kuultava perinne

Monia musiikkityyppejä, kuten perinteistä bluesia ja kansanmusiikkia, ei kirjattu nuottiin ; sen sijaan ne säilyivät alun perin esiintyjien muistissa, ja kappaleet luovutettiin suullisesti , muusikolta tai laulajalta toiselle tai kuuloisesti, jolloin esiintyjä oppii kappaleen " korvan kautta ". Kun kappaleen tai kappaleen säveltäjää ei enää tunneta, tämä musiikki luokitellaan usein "perinteiseksi" tai "kansanlauluksi". Eri musiikkiperinteillä on erilainen asenne siihen, miten ja missä tehdä muutoksia alkuperäiseen lähdemateriaaliin, varsin tiukasta niihin, jotka vaativat improvisointia tai musiikin muokkaamista. Kulttuurin historiaa ja tarinoita voidaan välittää myös korvan kautta laulun kautta.

Koristelu

Trill -merkki - nopea vuorottelu kahden nuotin välillä.

Musiikissa koristeena on lisätty nuotteja, jotka koristavat melodian, bassolinjan tai muun musiikillisen osan. Musiikkimerkintöihin nimenomaisesti sisältyvät yksityiskohdat vaihtelevat tyylilajien ja historiallisten aikojen välillä. Yleensä taidemusiikin merkintä 1700-1900 -luvuilta edellytti esiintyjiltä paljon kontekstuaalista tietoa esiintymistyyleistä. Esimerkiksi 1600- ja 1700 -luvuilla sooloesittäjille merkitty musiikki osoitti tyypillisesti yksinkertaisen, koristamattoman melodian. Esiintyjien odotettiin tietävän, kuinka lisätä tyylillisesti sopivia koristeita musiikin kiinnostuksen lisäämiseksi, kuten trillejä ja käännöksiä . Eri musiikkityylit käyttävät erilaisia ​​koristeita. Barokkihuilu voi lisätä mordentteja , jotka ovat lyhyitä nuotteja, jotka soitetaan ennen melodian pääsäveltä , joko päämelodian ylä- tai alapuolella. Sähkökitaraa soittava blueskitaristi saattaa käyttää kielen taivutusta ilmaisun lisäämiseksi; raskasmetalli kitara pelaaja voi käyttää vasaraa lisäosat ja pull-off .

1800 -luvulla sooloesittäjien taidemusiikki voi antaa yleisen ohjeen, kuten esittää musiikkia ilmeikkäästi, kuvaamatta yksityiskohtaisesti, miten esittäjän tulisi tehdä tämä. Esittäjän odotettiin tietävän, kuinka käyttää tempon muutoksia, korostuksia ja taukoja (muiden laitteiden joukossa) tämän "ilmeikkään" esitystyylin saavuttamiseksi. 1900 -luvulla taidemusiikin notaatio tuli usein selkeämmäksi ja käytti erilaisia ​​merkintöjä ja merkintöjä ilmaistakseen esiintyjille, kuinka heidän tulisi soittaa tai laulaa teos. Suositun musiikin ja perinteisen musiikin tyyleissä esiintyjien odotetaan tietävän, millaiset koristeet ovat tyylillisesti sopivia tietylle kappaleelle tai kappaleelle, ja esiintyjät lisäävät ne tyypillisesti improvisoidulla tavalla. Yksi poikkeus on muistiinpano-soolot, joissa jotkut pelaajat luovat tarkasti soolon kuuluisan version, kuten kitarasoolon .

Filosofia ja estetiikka

Boldinin maalaus pianoa soittavasta naisesta

Musiikkifilosofia on filosofian osa -alue. Musiikin filosofia on musiikkia koskevien peruskysymysten tutkimus. Musiikin filosofisella tutkimuksella on monia yhteyksiä metafysiikan ja estetiikan filosofisiin kysymyksiin . Joitakin musiikkifilosofian peruskysymyksiä ovat:

Muinaisina aikoina, kuten muinaisten kreikkalaisten kanssa , musiikin estetiikka tutki rytmisen ja harmonisen organisaation matemaattisia ja kosmologisia ulottuvuuksia . 1700 -luvulla painopiste siirtyi musiikin kuuntelukokemukseen ja siten kysymyksiin sen kauneudesta ja inhimillisestä nautinnosta ( plaisir ja jouissance ). Tämän filosofisen muutoksen alkuperä johtuu joskus Alexander Gottlieb Baumgartenista 1700 -luvulla, jota seuraa Immanuel Kant . Kirjoituksensa kautta antiikin termi 'estetiikka', joka tarkoittaa aistinvaraista havaintoa , sai nykyajan merkityksensä. 2000 -luvulla filosofit ovat pyrkineet korostamaan kauneuden ja nautinnon lisäksi muita asioita. Esimerkiksi musiikin kyky ilmaista tunteita on ollut keskeinen kysymys.

1900 -luvulla Peter Kivy , Jerrold Levinson , Roger Scruton ja Stephen Davies antoivat merkittävän panoksensa . Monet muusikot, musiikkikriitikot ja muut ei-filosofit ovat kuitenkin osallistuneet musiikin estetiikkaan. In the 19th century, merkittävä keskustelu välille syntyi Eduard Hanslick , eli kriitikko ja musiikkitieteilijä sekä säveltäjä Richard Wagnerin siitä, onko musiikki voi ilmaista merkitys. Harry Partch ja jotkut muut musiikkitieteilijät , kuten Kyle Gann , ovat opiskelleet ja yrittäneet popularisoida mikrotonaalista musiikkia ja vaihtoehtoisten musiikkiasteikkojen käyttöä . Myös monet modernit säveltäjät, kuten La Monte Young , Rhys Chatham ja Glenn Branca, kiinnittivät paljon huomiota asteikolle, jota kutsutaan vain intonaatioksi .

Usein ajatellaan, että musiikilla on kyky vaikuttaa tunteisiimme , älymme ja psykologiamme ; se voi lievittää yksinäisyyttämme tai kiihottaa intohimojamme. Filosofi Platon ehdottaa tasavalta , että musiikki on suora vaikutus sielun. Siksi hän ehdottaa, että ideaalijärjestelmässä valtio säätelee musiikkia tiiviisti (kirja VII). Muinaisessa Kiinassa filosofi Kungfutse uskoi, että musiikki ja rituaalit tai rituaalit liittyvät toisiinsa ja ovat sopusoinnussa luonnon kanssa; hän totesi, että musiikki oli taivaan ja maan harmonisointia, kun taas järjestyksen toi rituaalijärjestys, mikä teki niistä erittäin tärkeitä yhteiskunnan toimintoja.

Musiikin estetiikassa on ollut vahva taipumus korostaa sävellysrakenteen ensiarvoista merkitystä; kuitenkin muita kysymyksiä estetiikan musiikkia sisältävät lyyrinen , harmonia , hypnoosi , emotiveness , ajallinen dynamiikka , resonanssi , leikkisyyttä, ja väri (katso myös musiikillisen kehityksen ).

Psykologia

Moderni musiikkipsykologia pyrkii selittämään ja ymmärtämään musiikillista käyttäytymistä ja kokemusta . Tämän alan ja sen osa -alueiden tutkimus on ensisijaisesti empiiristä ; heidän tietämyksensä pyrkii kehittymään tulkintojen perusteella kerätyistä tiedoista, jotka on kerätty systemaattisesti tarkkaillen ja vuorovaikutuksessa ihmisten kanssa . Sen lisäksi keskittyä perustavanlaatuisia käsityksiä ja kognitiivisiin prosesseihin, musiikki psykologia on tutkimusala käytännön merkitystä monilla aloilla, kuten musiikkia suorituskykyä , sävellys , koulutus , kritiikki , ja hoito sekä tutkimukset ihmisen kyky , taito, älykkyys , luovuus ja sosiaalinen käyttäytyminen .

Neurotiede

Ensisijainen kuuloaivokuorella on yksi tärkeimmistä liittyvien alueiden ylivoimainen piki resoluutio.

Musiikin kognitiivinen neurotiede on tieteellinen tutkimus aivopohjaisista mekanismeista, jotka liittyvät musiikin taustalla oleviin kognitiivisiin prosesseihin. Näitä käyttäytymistapoja ovat musiikin kuuntelu, esittäminen, säveltäminen, lukeminen, kirjoittaminen ja liitännäistoiminnot. Se on myös yhä enemmän huolissaan musiikillisen estetiikan ja musiikillisten tunteiden aivopohjasta. Kenttä erottuu sen riippuvuudesta aivojen suoriin havaintoihin käyttämällä sellaisia ​​tekniikoita kuin toiminnallinen magneettikuvaus (fMRI), transkraniaalinen magneettistimulaatio (TMS), magnetoencefalografia (MEG), elektroenkefalografia (EEG) ja positroniemissiotomografia (PET) .

Kognitiivinen musiikkitiede

Kognitiivinen musiikkitiede on kognitiivisen tieteen haara, joka koskee musiikillisen tiedon laskennallista mallintamista tavoitteena ymmärtää sekä musiikkia että kognitiota. Tietokonemallien käyttö tarjoaa vaativan vuorovaikutteisen välineen, jolla voidaan muotoilla ja testata teorioita, ja sen juuret ovat tekoälyssä ja kognitiivisessa tieteessä .

Tämä monitieteinen kenttä tutkii aiheita, kuten kielen ja musiikin välisiä rinnakkaisuuksia aivoissa. Biologisesti inspiroidut laskentamallit sisältyvät usein tutkimukseen, kuten hermoverkot ja evoluutio -ohjelmat. Tämä kenttä pyrkii mallintamaan, miten musiikkitietoa edustetaan, tallennetaan, havaitaan, suoritetaan ja luodaan. Käyttämällä hyvin jäsenneltyä tietokoneympäristöä voidaan tutkia näiden kognitiivisten ilmiöiden systemaattisia rakenteita.

Psykoakustiikka

Psykoakustiikka on tieteellinen tutkimus äänen havaitsemisesta. Tarkemmin sanottuna se on tieteen haara, joka tutkii ääniin liittyviä psykologisia ja fysiologisia vasteita (mukaan lukien puhe ja musiikki). Se voidaan edelleen luokitella psykofysiikan haaraksi .

Evoluution musiikkitiede

Evoluutiomusiikkitiede koskee "musiikin alkuperää, eläinten laulua, valintapaineita musiikin evoluution taustalla" ja "musiikin evoluutiota ja ihmisen evoluutiota". Se pyrkii ymmärtämään musiikin käsitystä ja toimintaa evoluutioteorian yhteydessä . Charles Darwin arveli, että musiikilla on saattanut olla mukautuva etu ja se on toiminut protokielenä , mikä on synnyttänyt useita kilpailevia teorioita musiikin evoluutiosta. Vaihtoehtoinen näkemys pitää musiikkia kielellisen evoluution sivutuotteena ; eräänlainen "kuuloinen juustokakku", joka miellyttää aisteja tarjoamatta mukautuvaa toimintoa. Lukuisat musiikin tutkijat ovat suoraan vastustaneet tätä näkemystä.

Kulttuuriset vaikutukset

Yksilön kulttuurilla tai etnisyydellä on rooli heidän musiikintunnistuksessaan , mukaan lukien mieltymykset , emotionaalinen reaktio ja musiikkimuisti . Musiikilliset mieltymykset suuntautuvat kulttuurisesti tuttuihin musiikkiperinteisiin, jotka alkavat lapsuudesta, ja aikuisten luokittelu musiikkikappaleen tunteesta riippuu sekä kulttuurisesti erityisistä että yleismaailmallisista rakenteellisista piirteistä. Lisäksi yksilön musiikillinen muistikyky on suurempi kulttuurisesti tutulle musiikille kuin kulttuurisesti vieraalle musiikille.

Sosiologiset näkökohdat

Song-dynastian (960–1279) maalaus, Night Revels of Han Xizai , jossa kiinalaiset muusikot viihdyttävät vieraita juhlissa 10. vuosisadan taloudessa

Monet etnografiset tutkimukset osoittavat, että musiikki on osallistavaa, yhteisöpohjaista toimintaa. Yksilöt kokevat musiikkia erilaisissa sosiaalisissa olosuhteissa yksinäisyydestä suureen konserttiin osallistumiseen, musiikkiyhteisön muodostamiseen , jota ei voida ymmärtää yksilön tahdon tai onnettomuuden funktiona; se sisältää sekä kaupallisia että ei-kaupallisia osallistujia, joilla on yhteiset arvot. Musiikkiesityksillä on erilaisia ​​muotoja eri kulttuureissa ja sosioekonomisissa ympäristöissä. Euroopassa ja Pohjois -Amerikassa on usein eroja sen välillä, minkä tyyppistä musiikkia pidetään " korkeakulttuurisena " ja " matalakulttuurisena ". "Korkeakulttuuriseen" musiikkiin kuuluu tyypillisesti länsimaista taidemusiikkia, kuten barokkityyliä, klassista, romanttista ja uudenaikaista sinfoniaa, konserttoja ja sooloteoksia, ja sitä kuullaan yleensä muodollisissa konserteissa konserttisaleissa ja kirkoissa yleisön hiljaa istuen. istuimissa.

Muunlaista musiikkia - mukaan lukien, mutta ei rajoittuen, jazz, blues, soul ja country - esitetään usein baareissa, yökerhoissa ja teattereissa, joissa yleisö voi juoda, tanssia ja ilmaista itseään kannustamalla. Vielä myöhemmälle 1900 -luvulle asti jako "korkean" ja "matalan" musiikkimuotojen välillä hyväksyttiin laajalti kelvollisena erona, joka erotti laadukkaamman, edistyneemmän "taidemusiikin" baareissa ja tanssisaleissa kuultavista suosituista musiikkityyleistä.

Kuitenkin 1980- ja 1990 -luvuilla musiikkitieteilijät, jotka tutkivat tätä havaittua kuilua "korkean" ja "matalan" musiikkilajin välillä, väittivät, että tämä ero ei perustu eri musiikkityyppien musiikilliseen arvoon tai laatuun. Pikemminkin he väittivät, että tämä ero perustui suurelta osin eri musiikkityyppien esittäjien tai yleisön sosioekonomiseen asemaan tai sosiaaliseen luokkaan. Esimerkiksi kun klassisten sinfoniakonserttien yleisötulot ovat tyypillisesti keskimääräistä parempia, rap-konsertin yleisöllä voi olla alle keskitulon. Vaikka esiintyjillä, yleisöllä tai muulla kuin "taiteellisella" musiikilla esiintyvällä paikkakunnalla voi olla heikompi sosioekonominen asema, esitettävä musiikki, kuten blues, rap, punk , funk tai ska, voi olla hyvin monimutkaista ja hienostunutta.

Kun säveltäjät esittelevät musiikkityylejä, jotka rikkovat perinteitä, akateemisen musiikin asiantuntijat ja populaarikulttuuri voivat vastustaa voimakkaasti. Myöhäiskauden Beethovenin jousikvartetot, Stravinskyn balettimusiikit, serialismi , bebop -era- jazz , hip hop , punk rock ja elektroniikka ovat kaikki olleet kriittisiä, kun ne esiteltiin ensimmäisen kerran. Tällaisia ​​teemoja tarkastellaan musiikin sosiologiassa. Musiikin sosiologista tutkimusta, jota joskus kutsutaan sosiomusikologiaksi , harjoitetaan usein sosiologian, mediatutkimuksen tai musiikin osastoilla, ja se liittyy läheisesti etnomusikologian alaan .

Naisten rooli

1800-luvun säveltäjä ja pianisti Clara Schumann
Navneet Aditya Waiba - nepalilainen kansanlaulaja. Ainoa laulaja, joka käyttää aitoja/alkuperäisiä kansansoittimia ja laulaa aitoja väärentämättömiä nepalilaisia ​​kansanlauluja.

Naisilla on ollut merkittävä rooli musiikissa kautta historian, kuten säveltäjinä, lauluntekijöinä, instrumentaaliesittäjinä , laulajina, kapellimestarina, musiikinopettajina , musiikinopettajina , musiikkikriitikkoina / musiikkitoimittajina ja muina musiikillisina ammatteina. Se kuvaa myös naisiin, naisten asioihin ja feminismiin liittyviä musiikkiliikkeitä, tapahtumia ja tyylilajeja . 2010-luvulla, vaikka naiset muodostavat merkittävän osan populaarimusiikin ja klassisen musiikin laulajista ja huomattavan osan lauluntekijöistä (monet heistä ovat laulaja-lauluntekijöitä), naispuolisia levytuottajia, rock-kriitikoita ja rock-instrumentalisteja on vain vähän . Vaikka on ollut valtava määrä naisia säveltäjien klassisen musiikin, keskiajalta nykypäivään, naiset säveltäjät ovat merkittävästi aliedustettuina tavallisten toimintojen klassisen musiikin ohjelmistoa , musiikin historian oppikirjoja ja musiikin tietosanakirjoja; Esimerkiksi vuonna Concise Oxford Musiikin historia , Clara Schumann on yksi ainoa naispuolinen säveltäjät mainitaan.

Naiset muodostavat merkittävän osan klassisen musiikin instrumenttisolisteista ja naisten osuus orkestereissa kasvaa. Vuonna 2015 julkaistu artikkeli konserttisolisteista Kanadan suurissa orkestereissa kuitenkin osoitti, että 84% Orchestran Symphonique de Montrealin solisteista oli miehiä. Vuonna 2012 naisia ​​oli edelleen vain 6% Wienin filharmonikkojen ykkössijoituksesta . Naiset ovat harvinaisempia instrumenttipelaajina suosituissa musiikkilajeissa, kuten rockissa ja heavy metalissa , vaikka on ollut useita merkittäviä naissoittajaa ja naisbändejä . Naiset ovat erityisen aliedustettuina äärimmäisissä metallilajeissa . 1960-luvun pop-musiikkielämässä "[l] kuten useimmat musiikkiliiketoiminnan osa-alueet [1960-luvulla] laulujen kirjoittaminen oli miesvaltainen ala. Vaikka radiossa oli paljon naislaulajia, naisia. .. nähdään ensisijaisesti kuluttajina: ... Laulaminen oli joskus hyväksyttävää ajanvietettä tytölle, mutta soittamista, kappaleiden kirjoittamista tai levyjen tuottamista ei yksinkertaisesti tehty. " Nuoria naisia ​​"... ei sosiaalistettu näkemään itseään ihmisinä, jotka luovat [musiikkia]."

Naiset ovat myös aliedustettuina orkesterinjohtamisessa, musiikkikritiikissä/musiikkijournalismissa, musiikin tuottamisessa ja äänitekniikassa . Vaikka naiset olivat masentuneita säveltämisestä 19th century, ja siellä on muutamia naisia musiikkitieteilijät , naiset tuli mukaan musiikkikasvatus " ... siinä määrin, että naiset hallitsevat [alan] myöhemmissä puoli 19. vuosisadan ja pitkälle 1900 -luvulla. "

Lontoon The Independentin musiikkikirjoittaja Jessica Duchenin mukaan klassisen musiikin naismuusikoita "... tuomitaan liian usein esiintymisensä eikä lahjakkuutensa vuoksi" ja he kohtaavat painetta "... näyttää seksikkäältä lavalla ja valokuvissa . " Duchen toteaa, että vaikka "[täällä] on naismuusikoita, jotka kieltäytyvät pelaamasta ulkonäönsä perusteella, - - ne, joilla on taipumus menestyä aineellisesti." Ison -Britannian Radio 3 -editorin Edwina Wolstencroftin mukaan musiikkiteollisuus on jo pitkään ollut avoin naisille esiintymis- tai viihdetehtävissä, mutta naisilla on paljon vähemmän todennäköisiä johtotehtäviä, kuten orkesterin kapellimestari . Populaarimusiikin vaikka on olemassa monia naisia laulajia tallennus kappaleita, on hyvin vähän naisia takana ääni konsoli toimii musiikin tuottajille, yksilöt jotka ohjaavat ja hallita tallennuksen. Yksi eniten tallennetuista artisteista on intialainen laulaja Asha Bhosle , joka tunnetaan parhaiten hindilaisen elokuvan toistolaulajana.

Media ja tekniikka

Musiikin tuotanto 2000-luvulla käyttämällä digitaalisen äänen työasema (DAW) elektroninen näppäimistö ja usean näytön perustamiseen

Musiikki, jota säveltäjät ja lauluntekijät tekevät, voidaan kuulla useiden tiedotusvälineiden kautta; perinteisin tapa on kuulla se livenä, muusikoiden läsnä ollessa (tai yhtenä muusikoista), ulkona tai sisätiloissa, kuten amfiteatterissa, konserttisalissa , kabareehuoneessa , teatterissa , pubissa tai kahvilassa. 1900 -luvulta lähtien elävää musiikkia voidaan lähettää myös radion, television tai Internetin kautta tai tallentaa ja kuunnella CD- tai MP3 -soittimella.

Jotkut musiikkityylit keskittyvät tuottamaan kappaleita ja kappaleita live -esitystä varten, kun taas toiset keskittyvät tuottamaan tallenteen, joka yhdistää äänet, joita ei koskaan soitettu "livenä". Jopa olennaisesti live -tyyleissä, kuten rockissa, äänitysinsinöörit käyttävät usein mahdollisuutta muokata, liittää ja sekoittaa tuottaakseen tallenteita, joita voidaan pitää "parempina" kuin todellinen live -esitys. Jotkut laulajat esimerkiksi nauhoittavat laulavansa melodian ja nauhoittavansa sitten useita harmonian osia käyttämällä ylipubointia, luoden äänen, jota livenä olisi mahdotonta tehdä.

Tekniikka on vaikuttanut musiikkiin esihistoriallisista ajoista lähtien, jolloin luola -ihmiset käyttivät 41 000 vuotta sitten yksinkertaisia ​​työkaluja poratakseen reikiä luuhuihin. Teknologia vaikutti edelleen musiikkiin koko musiikin historian ajan, koska se mahdollisti uusien instrumenttien ja nuotin toistojärjestelmien käytön, ja yksi musiikin notaation vedenjakajahetkistä oli painokoneen keksiminen 1400 -luvulla, mikä tarkoitti musiikkitulosten enää piti kopioida käsin. Musiikkitekniikka johti 1800 -luvulla tehokkaamman, kovemman pianon kehittämiseen ja uusien venttiilien kehittämiseen.

1900 -luvun alussa (1920 -luvun lopulla), kun puhuvia kuvia syntyi 1900 -luvun alussa, ja niille oli tallennettu musiikkikappaleita, ja yhä enemmän elokuvateatterin orkesterimuusikoita joutui työttömiksi. 1920-luvulla orkesterien, pianistien ja teatteriorgonistien live-musiikkiesitykset olivat yleisiä ensi-ilta-teattereissa. Puhuvien elokuvien tullessa nämä esitykset poistettiin suurelta osin. Amerikkalainen liitto Musicians (AFM) otti lehti-ilmoitukset protestoi korvaaminen elävää musiikkia mekaanisilla pelaaminen laitteissa. Yhdessä 1929 mainoksessa, joka ilmestyi Pittsburgh Pressissa, on kuva tölkistä, jossa on merkintä "Säilytty musiikki / Big Noise Brand / Guaranteed to Produce No Intellectual or Emotional Reaction Whatever"

Esittäjien, säveltäjien, kustantajien ja tuottajien suojelemiseksi annetun lainsäädännön, mukaan lukien Yhdysvaltojen vuoden 1992 kotitallennuslaki, ja vuoden 1979 tarkistetun Bernin yleissopimuksen kirjallisten ja taiteellisten teosten suojaamisesta Yhdistyneessä kuningaskunnassa, tallenteiden ja live -esitysten osalta ovat myös helpommin saatavilla tietokoneiden, laitteiden ja Internetin kautta muodossa, joka tunnetaan yleisesti nimellä Music-On-Demand .

Monissa kulttuureissa esiintymisen ja musiikin kuuntelun välillä on vähemmän eroa, koska käytännössä kaikki ovat mukana jonkinlaisessa musiikillisessa toiminnassa, usein yhteisössä. Teollisuusmaissa musiikin kuunteleminen tallennetussa muodossa, kuten äänitallenne levyllä tai radiossa, tuli yleisemmäksi kuin live -esitys noin 1900 -luvun puolivälissä. 1980 -luvulle mennessä musiikkivideoiden katselu oli suosittu tapa kuunnella musiikkia ja nähdä myös esiintyjiä.

Joskus live -esitykset sisältävät esitallennettuja ääniä. Esimerkiksi tiskijukka käyttää levyn kirjaa varten raapiminen , ja jotkut 20-luvun teokset on soolo väline tai ääni, joka tehdään yhdessä musiikkia, joka on valmiiksi tallennettu johonkin nauhalle. Jotkut popbändit käyttävät tallennettuja taustaraitoja . Tietokoneet ja monet näppäimistöt voidaan ohjelmoida tuottamaan ja toistamaan Musical Instrument Digital Interface (MIDI) -musiikkia. Yleisö voi tulla esiintyjäksi myös osallistumalla karaokeen , japanilaista alkuperää olevaan toimintaan, joka keskittyy laitteeseen, joka toistaa puheäänestä poistettuja versioita tunnetuista kappaleista. Useimmissa karaokelaitteissa on myös videoruutuja, jotka näyttävät kappaleiden sanoitukset; esiintyjät voivat seurata sanoituksia laulaessaan instrumentaalikappaleiden yli.

Internet

Internetin ja laajalle levinneen nopean laajakaistayhteyden tulo on muuttanut musiikkikokemuksen, osittain helpottamalla musiikkitallenteiden pääsyä suoratoistovideon kautta ja lisäämällä huomattavasti musiikkivalikoimaa kuluttajille. Chris Anderson ehdottaa kirjassaan The Long Tail: Why the Future of Business Is Selles Less of More lisää , että perinteinen taloudellinen tarjonnan ja kysynnän malli kuvaa niukkuutta, mutta Internet -vähittäismalli perustuu runsauteen. Digitaaliset tallennuskustannukset ovat alhaiset, joten yrityksellä on varaa asettaa koko tallennusvarastonsa saataville verkossa, mikä antaa asiakkaille mahdollisimman paljon valinnanvaraa. Näin ollen on tullut taloudellisesti kannattavaa tarjota musiikkitallenteita, joista vain harvat ovat kiinnostuneita. Kuluttajien tietoisuuden lisääminen heidän valintansa lisääntymisestä johtaa läheisempään yhteyteen kuuntelumakujen ja sosiaalisen identiteetin välillä sekä tuhansien markkinarakojen luomiseen .

Toinen Internetin vaikutus syntyi verkkoyhteisöissä ja sosiaalisen median verkkosivustoilla, kuten YouTubessa ja Facebookissa, sosiaalisen verkostoitumisen palvelussa . Nämä sivustot helpottavat pyrkivien laulajien ja amatööribändien levittää videoita kappaleistaan, olla yhteydessä muihin muusikoihin ja saada yleisön kiinnostusta. Ammattimuusikot käyttävät myös YouTubea ilmaisena mainosmateriaalin julkaisijana. Esimerkiksi YouTube -käyttäjät eivät enää vain lataa ja kuuntele MP3 -tiedostoja, vaan myös luovat omia. Mukaan Don Tapscott ja Anthony D. Williams , kirjassaan Wikinomics on ollut siirtyminen perinteisestä kuluttaja rooli mitä he kutsuvat " prosumer " rooli, kuluttaja, joka molemmat luovat sisältöä ja kuluttaa. Tämän ilmentymiä musiikissa ovat mashien , remixien ja musiikkivideoiden tuottaminen fanien toimesta.

Liiketoiminta

Musiikkikauppa, joka myy erilaisia ​​sinkkuja ja albumeita

Musiikkiteollisuus viittaa yrityksiin liittyviä luomista ja myymistä musiikkia. Se koostuu lauluntekijöistä ja säveltäjistä, jotka luovat uusia kappaleita ja musiikkikappaleita, musiikin tuottajista ja äänisuunnittelijoista, jotka nauhoittavat kappaleita ja kappaleita, levy -yhtiöistä ja kustantajista, jotka levittävät äänitettyjä musiikkituotteita ja nuotteja kansainvälisesti ja jotka usein valvovat näiden tuotteiden oikeuksia. Jotkut musiikkimerkit ovat " riippumattomia ", kun taas toiset ovat suurempien yhteisöjen tai kansainvälisten mediaryhmien tytäryhtiöitä . 2000 -luvulla musiikin kuunteleminen digitaalisina musiikkitiedostoina MP3 -soittimissa, iPod -laitteissa tai tietokoneissa sekä musiikin kaupankäynti tiedostojenjakosivustoilla tai ostaminen verkossa digitaalisten tiedostojen muodossa kasvoi 2000 -luvulla merkittävästi perinteiseen musiikkiin. liiketoimintaa. Monet pienemmät riippumattomat CD -myymälät lopettivat toimintansa, kun musiikin ostajat vähensivät CD -levyjen ostojaan, ja monien levy -yhtiöiden CD -levyjen myynti pieneni. Jotkut yritykset menestyivät kuitenkin hyvin siirtyessään digitaaliseen muotoon, kuten Applen iTunes , online -musiikkikauppa, joka myy kappaleiden digitaalisia tiedostoja Internetissä.

Immateriaalioikeudet

Huolimatta joistakin kansainvälisten tekijänoikeussopimuksilla , mitkä musiikki on julkisia vaikeuttaa erilaisia kansallisia tekijänoikeuslait joita voidaan soveltaa. Yhdysvaltain tekijänoikeuslaki suojaa aiemmin painettua musiikkia, joka julkaistiin vuoden 1923 jälkeen 28 vuoden ajan ja uusittiin vielä 28 vuoden ajan, mutta vuoden 1976 tekijänoikeuslaissa uusiminen tapahtui automaattisesti, ja Digital Millennium Copyright Act muutti tekijänoikeuslaskun laskemisesta 70 vuoteen kuoleman jälkeen. luojalta. Äänitetty ääni kuuluu mekaanisten lupien piiriin, ja se katetaan usein osavaltion lakien hämmentävästä sekoituksesta. useimmat cover -versiot on lisensoitu Harry Fox Agencyn kautta . Esitysoikeudet voivat saada joko esiintyjät tai esityspaikka; Kaksi suurta lisensointiorganisaatiota ovat BMI ja ASCAP . Kaksi julkisen musiikin verkkolähdettä ovat IMSLP (International Music Score Library Project) ja Choral Public Domain Library (CPDL) .

Koulutus

Ei-ammattimainen

Suzuki viulu kappaleessa opiskelijoiden kanssa eri-ikäisiä

Sisällyttäminen musiikkia tai laulua koulutusta yleissivistävään koulutuksen esikoulu ja jälkeisen koulutuksen on yleinen Pohjois-Amerikassa ja Euroopassa. Osallistumisen musiikin soittamiseen ja laulamiseen uskotaan opettavan perustaitoja, kuten keskittymistä, laskemista , kuuntelemista ja yhteistyötä, samalla kun se edistää kielen ymmärtämistä , parantaa kykyä muistaa tietoja ja luo ympäristön, joka helpottaa oppimista muilla alueilla. Peruskouluissa lapset oppivat usein soittamaan soittimia, kuten nauhuria , laulamaan pienissä kuoroissa ja oppimaan länsimaisen taidemusiikin ja perinteisen musiikin historiasta. Jotkut peruskoululaiset oppivat myös suosittuja musiikkityylejä. Uskonnollisissa kouluissa lapset laulavat virsiä ja muuta uskonnollista musiikkia. Lukioissa (ja harvemmin peruskouluissa) opiskelijoilla voi olla mahdollisuus esiintyä tietyntyyppisissä musiikkiyhdistelmissä, kuten kuoroissa (laulajaryhmä), marssibändeissä , konserttibändeissä , jazzbändeissä tai orkestereissa. Joissakin koulujärjestelmissä voidaan järjestää musiikkitunteja soittamisesta. Jotkut oppilaat käyttävät myös yksityisiä musiikkitunteja koulun jälkeen laulunopettajan tai soitinopettajan kanssa. Amatöörimuusikoiden tyypillisesti oppia perustiedot musiikillisen alkeita (esim oppia nuottimerkein varten musikaali asteikot ja rytmejä) sekä beginner- keskitason tason laulua tai instrumentti-soittotekniikoista.

Yliopistotasolla useimpien taide- ja humanististen ohjelmien opiskelijat voivat saada luottoa muutaman musiikkikurssin suorittamisesta, jotka tyypillisesti ovat musiikin historian yleiskatsauskurssi tai musiikin arvostuskurssi, joka keskittyy musiikin kuunteluun ja oppimiseen eri musiikkityyleistä. Lisäksi useimmilla Pohjois -Amerikan ja Euroopan yliopistoilla on tietyntyyppisiä musiikkiyhtyeitä, joihin taide- ja humanistiset opiskelijat voivat osallistua, kuten kuorot, marssibändit, konserttibändit tai orkesterit. Tutkimus länsimaisen taidemusiikin on yhä yleisempää kuin Pohjois-Amerikassa ja Euroopassa, kuten Indonesian Institute of Arts in Yogyakarta , Indonesiassa , tai klassisen musiikin ohjelmia, jotka ovat saatavilla Aasian maissa kuten Etelä-Korea, Japani ja Kiina. Samaan aikaan länsimaiset yliopistot ja korkeakoulut laajentavat opetussuunnitelmaansa sisältämään ei-länsimaisten kulttuurien musiikkia , kuten Afrikan tai Balin musiikkia (esim. Gamelan- musiikkia).

Ammattilainen

Manhattanin musiikkikoulun professori ja ammattimainen kontrabasisti Timothy Cobb opetti bassotunteja 2000 -luvun lopulla. Hänen bassollaan on matala C -laajennus, jossa on metallinen "kone", jossa on painikkeet laajennuksen äänien soittamiseen.

Ihmiset pyrkii olemaan ammattimuusikoita, laulajia, säveltäjiä, lauluntekijöiden, musiikin opettajien ja alan ammattilaiset muiden musiikkiin liittyviä ammatteja, kuten musiikin historiaa professorit, äänittäjät , ja niin edelleen tutkimuksen erikoistuneissa jälkeisen tarjoamia ohjelmia, yliopistoissa ja musiikki konservatorioissa . Jotkut oppilaitokset, jotka kouluttavat yksilöitä musiikkiuralle, tarjoavat koulutusta monille eri ammateille, kuten monien Yhdysvaltojen huippuyliopistojen tapauksessa, jotka tarjoavat musiikin suorittamisen (mukaan lukien laulu ja soittimet), musiikkihistorian, musiikkiteorian, musiikin säveltäminen, musiikkikasvatus (henkilöille, jotka haluavat tulla peruskoulun tai lukion musiikinopettajiksi) ja joissakin tapauksissa johtaminen. Toisaalta jotkut pienet oppilaitokset voivat tarjota koulutusta vain yhdelle ammatille (esim. Äänitallenne ).

Vaikka useimmat yliopisto- ja konservatorio -musiikkiohjelmat keskittyvät klassisen musiikin opiskelijoiden kouluttamiseen, on olemassa useita yliopistoja ja korkeakouluja, jotka kouluttavat muusikoita jazz- tai populaarimusiikin muusikoiksi ja säveltäjiksi, ja Yhdysvalloissa on merkittäviä esimerkkejä, kuten Manhattan School of Music ja Berklee Musiikkikorkeakoulu . Kaksi tärkeää koulua Kanadassa, jotka tarjoavat ammattimaista jazz -koulutusta, ovat McGill University ja Humber College . Henkilöt , jotka haluavat uraa tietyntyyppisessä musiikissa, kuten raskasmetallimusiikissa , kantrimusiikissa tai bluesissa, eivät todennäköisesti tule ammattilaisiksi suorittamalla tutkintoja korkeakouluissa tai yliopistoissa. Sen sijaan he oppivat tyypillisesti musiikkityyliään laulamalla tai soittamalla monissa bändeissä (usein harrastusbändeissä, cover-bändeissä ja tribute-yhtyeissä ), tutkimalla CD-, DVD- ja Internetissä saatavilla olevia tallenteita ja tekemällä yhteistyötä jo vakiintuneiden ammattilaisten kanssa. musiikkityyliin joko epävirallisen mentoroinnin tai säännöllisten musiikkituntien kautta . 2000-luvulta lähtien Internet-foorumien ja YouTuben "ohjevideoiden" kasvava suosio ja saatavuus ovat antaneet monille laulajille ja muusikoille metallista, bluesista ja vastaavista genreistä kehittää taitojaan. Monet pop, rock ja maan laulajat kouluttaa epävirallisesti Yhtye ja laulunopettajille .

Perustutkinto

Perustutkintoa yliopistotutkinnot musiikin, kuten musiikin kandidaatin , Bachelor of Music Education, ja kandidaatin (pääaineenaan musiikin) tyypillisesti kestää noin neljä vuotta. Nämä tutkinnot antavat opiskelijoille perustan musiikkiteoriaan ja musiikkihistoriaan, ja monet opiskelijat opiskelevat myös instrumenttia tai opiskelevat laulutekniikkaa osana ohjelmaansa. Yliopistomusiikkiohjelmista valmistuneet voivat hakea työtä tai jatkaa opintoja musiikin jatko -ohjelmissa. Kandidaatin tutkinnon suorittaneet voivat myös hakea joihinkin musiikin ulkopuolisiin jatko -ohjelmiin ja ammattikouluihin (esim. Julkishallinto , liikehallinto , kirjastotiede ja joillakin lainkäyttöalueilla opettajan korkeakoulu , lakikoulu tai lääketieteellinen koulu ).

Valmistua

Musiikin jatkotutkintoja ovat musiikin maisteri, maisteri (musiikkitiede, musiikkiteoria tai muu musiikkikenttä), filosofian tohtori (tohtori) (esim. Musiikkitiede tai musiikkiteoria) ja viime aikoina Musiikkitaiteen tohtori tai DMA. Musiikin maisterin tutkinto, joka kestää yhdestä kahteen vuoteen, annetaan tyypillisesti opiskelijoille, jotka opiskelevat soittimen esitystä, koulutusta, ääntä (laulua) tai sävellystä. Master of Arts -tutkinto, joka kestää 1-2 vuotta ja vaatii usein opinnäytetyön , myönnetään tyypillisesti musiikkitiedettä, musiikkihistoriaa, musiikkiteoriaa tai etnomusikologiaa opiskeleville opiskelijoille.

PhD, joka vaaditaan opiskelijoille, jotka haluavat työskennellä musiikkitieteen, musiikkihistorian tai musiikkiteorian yliopiston professoreina, kestää 3-5 vuotta opiskelua maisterin tutkinnon jälkeen, jonka aikana opiskelija suorittaa jatkokursseja ja suorittaa tutkimusta väitöskirja. DMA on suhteellisen uusi tutkinto, joka luotiin antamaan valtakirja ammattimaisille esiintyjille tai säveltäjille, jotka haluavat työskennellä yliopiston professoreina musiikkiesityksessä tai sävellyksessä. DMA kestää 3-5 vuotta maisterin tutkinnon jälkeen, ja se sisältää jatkokursseja, projekteja ja esityksiä. Keskiajalla tutkimus musiikin oli yksi Quadrivium seitsemän Liberal Arts ensiarvoisen tärkeä korkeakoulutasoista opetusta. Määrällisessä Quadriviumissa musiikkia tai tarkemmin sanoen harmonisia tutkittiin järkeviä mittasuhteita.

Musiikkitiede

Musiikkitiedettä , musiikin aiheen akateemista tutkimusta, opiskellaan yliopistoissa ja konservatorioissa. Varhaisimmat määritelmät 1800-luvulta määrittivät kolme musiikkitieteen osa-aluetta: systemaattinen musiikkitiede , historiallinen musiikkitiede ja vertaileva musiikkitiede tai etnomusikologia . Vuonna 2010 -kauden stipendissä on todennäköisempää, että kurinalaisuus jakautuu musiikkiteoriaan , musiikkihistoriaan ja etnomusikologiaan . Musiikkitieteen tutkimusta on usein rikastettu poikkitieteellisellä työllä, esimerkiksi psykoakustiikan alalla . Muiden kuin länsimaisten kulttuurien musiikin tutkimista ja musiikin kulttuuritutkimusta kutsutaan etnomuusologiaksi. Opiskelijat voivat jatkaa musiikinopin, etnomusikologian, musiikkihistorian ja musiikkiteorian perustutkintoa useiden eri tutkintojen, kuten kandidaatin, maisterin ja tohtorin, kautta.

Musiikkiteoria

Musiikkiteoria on musiikin opiskelu, yleensä erittäin teknisellä tavalla muiden tieteenalojen ulkopuolella. Laajemmin se viittaa mihin tahansa musiikin tutkimukseen, joka liittyy yleensä jossain muodossa sävellysongelmiin, ja voi sisältää matematiikkaa , fysiikkaa ja antropologiaa . Yleisimmin opetetaan musiikkiteorian aloituskursseilla suuntaviivoja kirjoittaa tavallisen harjoittelujakson tyyliin tai tonaalista musiikkia . Teoria, jopa yleisen harjoituskauden musiikki, voi olla monessa muussa muodossa. Musiikkijoukkojen teoria on matemaattisen joukkoteorian soveltaminen musiikkiin, ensin atonaaliseen musiikkiin . Spekulatiivinen musiikkiteoria , toisin kuin analyyttinen musiikkiteoria , on omistettu musiikkimateriaalien, esimerkiksi viritysjärjestelmien , analysointiin ja synteesiin , yleensä sävellyksen valmisteluun.

Zoomusikologia

Zoomusikologia on muiden kuin ihmiseläinten musiikin tai muiden kuin ihmiseläinten tuottamien äänien musiikillisten näkökohtien tutkimus. Kuten George Herzog (1941) kysyi, "onko eläimillä musiikkia?" François-Bernard mâché n Musique, Mythe, luonto, ou les Dauphins d'Arion (1983), tutkimus "ornitho-musiikkitieteen" käyttäen tekniikkaa Nicolas Ruwet n Langage Musique, Poesie (1972) paradigmaattinen segmentointi analyysi , osoittaa, että lintujen laulut järjestetään toisto-muutos-periaatteen mukaisesti. Jean-Jacques Nattiez (1990) väittää, että "viime kädessä ihminen päättää, mikä on musiikkia ja mikä ei ole musiikkia, vaikka ääni ei olekaan ihmisperäinen. (toisin sanoen musiikin muodostamiseksi) pelkästään sen tuottaja, mutta sitä havaitseva mieli, niin musiikki on ainutlaatuista ihmistä. "

Etnomusikologia

Etnomusikologi Frances Densmore tallennuksen Blackfoot päätoimittaja Vuori päällikkö varten Bureau of American etnologian (1916)

Lännessä suuri osa opetettavasta musiikin historiasta koskee länsimaisen sivilisaation taidemusiikkia, joka tunnetaan klassisena musiikkina. Musiikin historiaa ei-länsimaisissa kulttuureissa (" maailmanmusiikki " tai "etnomusikologian" ala), joka tyypillisesti kattaa Afrikan ja Aasian musiikin, opetetaan myös länsimaisissa yliopistoissa. Tämä sisältää dokumentoidut klassiset perinteet Aasian maissa, jotka eivät ole Länsi -Euroopan vaikutuspiirissä, sekä erilaisten kulttuurien kansanmusiikkia tai alkuperäiskansojen musiikkia. Muiden kuin länsimaiden suosittu tai kansanmusiikkityyli vaihteli suuresti kulttuurista kulttuuriin ja ajanjaksosta toiseen. Eri kulttuurit korostivat erilaisia soittimia , tekniikoita, laulutyylejä ja musiikin käyttötapoja. Musiikkia on käytetty viihteeseen, seremonioihin, rituaaleihin, uskonnollisiin tarkoituksiin sekä käytännön ja taiteelliseen viestintään. Ei-länsimaista musiikkia on käytetty myös propagandatarkoituksiin, kuten kiinalaisen oopperan tapauksessa kulttuurivallankumouksen aikana .

Muulle kuin länsimaiselle musiikille on olemassa monia musiikkiluokituksia, joista monet ovat joutuneet kiistelyyn musiikin määritelmästä . Suurimpia näistä on jako klassisen musiikin (tai "taidemusiikin") ja populaarimusiikin (tai kaupallisen musiikin- mukaan lukien ei-länsimaiset rock-, country- ja popmusiikkityylit) välillä. Jotkut lajityypit eivät sovi siististi yhteen näistä "kahdesta suuresta" luokituksesta (kuten kansanmusiikki , maailmanmusiikki tai jazziin liittyvä musiikki).

Maailman kulttuurien tullessa laajempaan globaaliin kosketukseen niiden alkuperäiskansojen musiikkityylit ovat usein sulautuneet muihin tyyleihin, mikä tuottaa uusia tyylejä. Esimerkiksi Yhdysvalloissa bluegrass tyyli sisältää osia Anglo - Irish , Scottish , Irlannin, Saksan ja Afrikkalainen instrumentaali ja laulu perinteitä, jotka pystyivät sulake Yhdysvaltojen monikansallisen ' sulatusuuni ' yhteiskunta. Jotkut maailmanmusiikkityypit sisältävät sekoituksen ei-länsimaisia ​​alkuperäiskansoja ja länsimaisia ​​pop-musiikkielementtejä. Musiikin tyylilajit määräytyvät yhtä paljon perinteiden ja esityksen mukaan kuin varsinainen musiikki. Joitakin teoksia, kuten George Gershwin n Rhapsody in Blue , väitetään sekä jazzia ja klassista musiikkia, kun taas Gershwinin Porgy ja Bess ja Leonard Bernstein : n West Side Story haetaan sekä oopperan ja Broadway-musikaali perinteet. Monet nykyiset ei-länsimaisen musiikin festivaalit sisältävät bändejä ja laulajia tietystä musiikkilajista, kuten maailmanmusiikista.

Esimerkiksi intialainen musiikki on yksi vanhimmista ja pisimpään elävistä musiikkityypeistä, ja sitä kuullaan ja esitellään edelleen laajalti Etelä -Aasiassa sekä kansainvälisesti (erityisesti 1960 -luvulta lähtien). Intialaisessa musiikissa on pääasiassa kolme klassisen musiikin muotoa, hindustani- , Carnatic- ja Dhrupad -tyylit. Sillä on myös laaja valikoima tyylejä, joihin kuuluu vain lyömäsoittimia, kuten Etelä -Intiassa kuuluisia talavadya -esityksiä .

Hoito

"Blues in the Schools" -ohjelman musiikkiterapeutti soittaa huuliharppua yhdysvaltalaisen laivaston merimiehen kanssa merivoimien keskuksessa.

Musiikkiterapia on ihmissuhdeprosessi, jossa koulutettu terapeutti käyttää musiikkia ja sen kaikkia puolia - fyysisiä, emotionaalisia, henkisiä, sosiaalisia, esteettisiä ja hengellisiä - auttaakseen asiakkaitaan parantamaan tai ylläpitämään terveyttään. Joissakin tapauksissa asiakkaan tarpeisiin vastataan suoraan musiikin avulla; toisissa niitä käsitellään asiakkaan ja terapeutin välisten suhteiden kautta. Musiikkiterapiaa käytetään kaikenikäisille ja monenlaisille sairauksille, mukaan lukien: psyykkiset häiriöt, lääketieteelliset ongelmat, fyysiset vammat, aistivammat, kehitysvammat, päihteiden käyttöongelmat, kommunikaatiohäiriöt, ihmissuhdeongelmat ja ikääntyminen. Sitä käytetään myös parantamaan oppimista, rakentamaan itsetuntoa, vähentämään stressiä, tukemaan liikuntaa ja helpottamaan monia muita terveyteen liittyviä toimintoja. Musiikkiterapeutit voivat kannustaa asiakkaita laulamaan, soittamaan instrumentteja, luomaan kappaleita tai tekemään muita musiikkitoimintoja.

Yksi varhaisimmista musiikkiterapian maininnoista oli Al-Farabin (n. 872–950) teoksessa "Intellectin merkitykset" , jossa kuvattiin musiikin terapeuttisia vaikutuksia sieluun . Musiikkia on pitkään käytetty auttamaan ihmisiä käsittelemään tunteitaan. 17-luvulla, tutkija Robert Burton n Melankolian anatomia väitti, että musiikki ja tanssi olivat kriittisiä hoidossa mielisairaudesta , erityisesti melankolia . Hän totesi, että musiikilla on "erinomainen voima ... karkottaa monia muita sairauksia", ja hän kutsui sitä "suvereeniksi lääkkeeksi epätoivoa ja melankoliaa vastaan". Hän huomautti, että antiikin aikana Rodoksen viulunsoittaja Canus käytti musiikkia "tehdäkseen melankolisen miehen iloiseksi, ... rakastajan rakastuneemmaksi, uskonnollisen miehen hurskaammaksi". Vuonna Osmanien valtakunta , psyykkiset sairaudet hoidettiin musiikkia. Marraskuussa 2006 tohtori Michael J.Crawford ja hänen kollegansa havaitsivat myös, että musiikkiterapia auttoi skitsofreniaa sairastavia potilaita.

Albert Einstein rakasti elinikäistä musiikkia (erityisesti Bachin ja Mozartin teoksia ) ja totesi kerran, että elämä ilman musiikkia olisi hänelle käsittämätöntä. Joissakin haastatteluissa Einstein jopa luonnehti suuren osan tieteellisestä intuitiostaan ​​musiikille, ja hänen poikansa Hans kertoi, että "aina kun hän koki olevansa tien päässä tai vaikeassa tilanteessa työssään, hän turvautui musiikkiin, ja se yleensä ratkaisi kaikki hänen vaikeutensa. " Michele ja Robert Root-Bernstein julkaisussa Psychology Today julkaisussa " Musiikissa" jotain ohjaisi hänen ajatuksiaan uusiin ja luoviin suuntiin. On sanottu, että Einstein piti Mozartin musiikkia paljastamaan universaalin harmonian, jonka Einstein uskoi olevan olemassa maailmankaikkeudessa, "ikään kuin suuri Wolfgang Amadeus ei olisi" luonut "hänen kauniisti kirkasta musiikkiaan ollenkaan, vaan yksinkertaisesti löysi sen jo tehdyn. on huomattavan rinnakkaista Einsteinin näkemyksiin luonnon äärimmäisestä yksinkertaisuudesta ja sen selityksistä ja lausunnoista olennaisesti yksinkertaisten matemaattisten ilmaisujen kautta. " Katsaus viittaa siihen, että musiikki voi olla tehokas parantamaan subjektiivista unen laatua aikuisilla, joilla on unettomuusoireita. Musiikkia käytetään myös kognitiivisten ja motoristen häiriöiden kliinisessä kuntoutuksessa.

Katso myös

Viitteet

Lähteet

Lue lisää

Ulkoiset linkit