Lee Krasner - Lee Krasner

Lee Krasner
Krasner vuonna 1983
Syntynyt	Lena Krassner ( 1908-10-27 )27. lokakuuta 1908 Brooklyn , New York , Yhdysvallat
Kuollut	19. kesäkuuta 1984 (1984-06-19)(75 -vuotias) New York , New York, Yhdysvallat
Koulutus	Cooper Unionin kansallinen muotoiluakatemia Hans Hofmann
Tunnettu	Maalaus , kollaasi
Liike	Abstrakti ekspressionismi
Puoliso (t)	Jackson Pollock ​ ​ ( m.  1945; kuollut 1956)​

Lenore " Lee " Krasner (syntynyt Lena Krassner 27. lokakuuta 1908 - 19. kesäkuuta 1984) oli yhdysvaltalainen abstrakti ekspressionistinen taidemaalari, jolla oli vahva kollaasin erikoisuus . Hän oli naimisissa Jackson Pollockin kanssa . Vaikka heidän kahden tyylinsä välillä oli paljon ristipölytystä, suhde varjosti jonkin verran hänen panoksensa jonkin aikaa. Krasnerin koulutus, George Bridgmanin ja Hans Hofmannin vaikutuksesta , oli virallisempi, etenkin ihmisen anatomian kuvauksessa , ja tämä rikastutti Pollockin intuitiivisempaa ja jäsentämättömämpää tuotantoa.

Krasneria pidetään nyt abstraktion keskeisenä siirtymävaiheen hahmona, joka yhdisti 1900-luvun alun taiteen sodanjälkeisen Amerikan uusiin ideoihin, ja hänen työnsä saa korkeat hinnat huutokaupassa. Hän on myös yksi harvoista naistaiteilijoista, joilla on ollut retrospektiivinen esitys Modernin taiteen museossa .

Aikainen elämä

Krasner syntyi Lena Krassnerina (perheen ulkopuolella hänet tunnettiin nimellä Lenore Krasner ) 27. lokakuuta 1908 Brooklynissa, New Yorkissa . Hän oli Chane ( tytär Weiss) ja Joseph Krasnerin tytär , venäläis-juutalaiset maahanmuuttajat Shpykivistä , nykyisen Ukrainan juutalaisyhteisöstä . Pari pakeni Yhdysvaltoihin paetakseen juutalaisvastaisuutta ja Venäjän ja Japanin sotaa , ja Chane muutti nimensä Annaksi saapuessaan. Lee oli neljäs viidestä lapsesta, mukaan lukien hänen sisarensa Ruth, ja ainoa, joka syntyi Yhdysvalloissa.

Koulutus

Varhaisesta iästä lähtien Krasner tiesi haluavansa jatkaa taidetta urana. Hänen uransa taiteilijana alkoi teini -ikäisenä . Hän haki nimenomaisesti ilmoittautumista Washington Irvingin tyttöjen lukioon , koska he tarjosivat taiteen pääaineen . Valmistuttuaan hän osallistui Cooper Unionin naisten taidekouluun apurahalla. Siellä hän suoritti taiteen opetustodistuksen edellyttämän kurssityön . Krasner jatkoi vielä taidekasvatusta Kansallisessa muotoiluakatemiassa vuonna 1928 ja suoritti kurssikuormituksensa siellä vuonna 1932.

Osallistumalla tekniseen taidekouluun Krasner pystyi saamaan laajan ja perusteellisen taiteellisen koulutuksen, kuten vanhojen mestarien tekniikoista tiedetään . Hänestä tuli myös erittäin taitava kuvaamaan anatomisesti oikeita hahmoja. Tältä ajalta on säilynyt suhteellisen vähän teoksia lukuun ottamatta muutamia omakuvia ja asetelmia, koska suurin osa teoksista poltettiin tulessa. Yksi kuva, joka on edelleen olemassa tältä ajalta, on hänen omakuvansa, joka on maalattu vuonna 1930, nyt Metropolitanin taidemuseossa . Hän toimitti sen Kansalliselle akatemialle voidakseen ilmoittautua tiettyyn luokkaan, mutta tuomarit eivät voineet uskoa, että nuori taiteilija tuotti omakuvan täysistunnossa . Siinä Krasner kuvaa itseään uhkaavalla ilmeellä luonnon ympäröimänä. Hän osallistui myös lyhyesti New Yorkin Art Students League -tapahtumaan vuonna 1928. Siellä hän otti luokan, jota johti George Bridgman, joka korosti ihmisen muotoa.

Nykytaiteen museon avaaminen vuonna 1929 vaikutti suuresti Krasneriin . Hän vaikutti voimakkaasti jälkimpressionismiin ja kasvoi kriittisesti National Academy -yliopistossa opittuja akateemisia tyylikäsityksiä kohtaan. 1930 -luvulla hän alkoi opiskella nykytaidetta oppimalla sävellyksen , tekniikan ja teorian komponentit . Hän aloitti luennot Hans Hofmannilta vuonna 1937, mikä modernisoi hänen lähestymistapaansa alastomaan ja asetelmiin . Hän korosti kaksiulotteinen luonne kuvan tason ja käyttö väri luoda alueellinen illuusion, että ei edustanut todellisuuden läksynsä. Krasner työskenteli Hofmannin kanssa koko oppituntinsa ajan edistyneessä kubismityylissä , joka tunnetaan myös nimellä uuskubismi. Luokan aikana ihmisen alaston tai asetelma olisi malli, josta Krasnerin ja muiden oppilaiden olisi työskenneltävä. Hän loi tyypillisesti hiilen piirustuksia ihmismalleista ja öljypaperin väritutkimuksia asetelma -asetuksista. Hän kuvasi tyypillisesti naispuolisia alastonkuvia kubistisella tavalla jännityksellä, joka saavutettiin muotojen pirstoutumisen ja vaaleiden ja tummien värien vastakohdan kautta. Asetelmat osoittivat hänen kiinnostuksensa fovismiin, koska hän ripusti kirkkaanväristä pigmenttiä valkoisella taustalla.

Hans Hofmann "oli hyvin negatiivinen", hänen entinen oppilaansa sanoi, "mutta eräänä päivänä hän seisoi maalaustelineeni edessä ja hän antoi minulle ensimmäisen kiitoksen, jonka olin koskaan saanut häneltä taiteilijana. Hän sanoi:" Tämä on niin hyvää, et koskaan tiedä sen teki nainen ". Hän sai kiitosta myös Piet Mondrianilta, joka kertoi hänelle kerran: "Sinulla on erittäin vahva sisäinen rytmi; et saa koskaan menettää sitä."

Varhainen ura

Krasner piti itsensä tarjoilijana opintojensa aikana, mutta lopulta siitä tuli liian vaikeaa suuren laman vuoksi . Voidakseen jatkaa tarjota itselleen, hän liittyi tehtaan Progress Administration n liittovaltion Art Project 1935 työskentelevät seinämaalaus divisioonan avustajana Max Spivak. Hänen tehtävänsä oli laajentaa muiden taiteilijoiden suunnitelmia suurikokoisille julkisille seinämaalauksille . Koska seinämaalaukset luotiin helposti ymmärrettäviksi ja suuren yleisön arvostettaviksi, Krasnerin tuottama abstrakti taide ei kuitenkaan ollut toivottavaa. Vaikka mielellään käyttää, hän oli tyytymätön, koska hän ei pitänyt työskennellä kuvallisia Kuvista muiden taiteilijoiden. Koko 1930 -luvun lopun ja 1940 -luvun alun aikana hän loi guassi -luonnoksia toivoen, että jonain päivänä luodaan abstrakti seinämaalaus. Heti kun yksi hänen ehdotuksia seinämaalaus oli hyväksytty WNYC radioasema, Works Progress Administration muuttui sota Palvelut ja kaikki taide jouduttiin luotu sotapropagandalla . Krasner jatkoi työskentelyä sotapalveluissa luomalla kollaaseja sotatoimille, jotka esiteltiin yhdeksäntoista tavaratalon ikkunoissa Brooklynissa ja Manhattanilla . Hän oli aktiivisesti mukana taiteilijaliitossa työskennellessään WPA: ssa, mutta oli yksi ensimmäisistä, joka erosi, kun tajusi, että kommunistit ottavat sen haltuunsa. Kuitenkin olemalla osa tätä organisaatiota hän pystyi tapaamaan lisää taiteilijoita kaupungissa ja laajentamaan verkostoaan.

Lopetettuaan hän liittyi vuonna 1940 American Abstract Artistsiin . Vaikka jäsen, hän tyypillisesti esillä kubistisia asetelma musta-ristikkoformaatissa Cloisonne tyyli, joka olivat erittäin impastoed ja gestural . Hän tapasi tulevan abstraktin ekspressionistin Willem de Kooningin , Arshile Gorkyn , Franz Klinein , Adolph Gottliebin , Mark Rothkon , Barnett Newmanin , Clyfford Stillin ja Bradley Walker Tomlinin tämän organisaation kautta. Hän menetti kiinnostuksensa kovan reunan geometrisen tyylin käyttöön sen jälkeen, kun hänen suhteensa Jackson Pollockiin alkoi.

Ura

Krasner tunnistetaan abstraktiksi ekspressionistiksi abstraktien, eleellisten ja ilmeikkäiden töidensä vuoksi maalauksessa, kollaasimaalauksessa, puuhiilen piirtämisessä ja toisinaan mosaiikeissa. Hän katkaisi usein omat piirustuksensa ja maalauksensa kollaasimaalausten luomiseksi. Hän myös tarkisti tai tuhosi yleisesti kokonaisen sarjan töitä kriittisen luonteensa vuoksi; tämän seurauksena hänen elossa oleva työ on suhteellisen pieni. Hänen luettelonsa raisonné , jonka Abrams julkaisi vuonna 1995 , sisältää 599 tunnettua kappaletta.

Hänen vaihteleva luonteensa heijastuu koko työhönsä, mikä on johtanut kriitikot ja tutkijat tekemään erilaisia ​​johtopäätöksiä hänestä ja hänen tuotannostaan. Krasnerin tyyli vaihtuu usein klassisen rakenteen ja barokkityylin , avoimen muodon ja kovan reunan muodon sekä kirkkaan värin ja yksivärisen paletin välillä. Koko uransa ajan hän kieltäytyi omaksumasta ainutlaatuista, tunnistettavaa tyyliä ja omaksui sen sijaan muutoksen vaihtelemalla usein työnsä tunnelmaa, aihetta, tekstuuria, materiaaleja ja koostumuksia. Vaihtamalla työtyyliään usein hän erosi muista abstrakteista ekspressionisteista, koska monet heistä omaksuivat muuttumattomia identiteettejä ja kuvaustapoja. Näistä voimakkaista vaihteluista huolimatta hänen teoksensa voidaan tyypillisesti tunnistaa gestyylisen tyylin, tekstuurin, rytmin ja orgaanisten kuvien kuvaamisen kautta. Krasnerin kiinnostus itseä, luontoa ja nykyaikaista elämää kohtaan ovat teoksissa yleisesti esiin nousevia teemoja. Hän oli usein haluton keskustelemaan työnsä ikonografiasta ja korosti sen sijaan elämäkerransa tärkeyttä, koska hän väitti, että hänen taiteensa muodostui hänen yksilöllisen persoonallisuutensa ja emotionaalisen tilansa kautta.

1940 -luvun alku

Koko 1940 -luvun alkupuolen Krasner kamppaili luodessaan taidetta, joka tyydytti hänen kriittisen luonteensa. Hän oli erittäin vaikuttunut näkemästä Pollockin työtä ensimmäistä kertaa vuonna 1942, mikä sai hänet hylkäämään Hofmannin kubistisen tyylin, joka vaati työskentelyä ihmis- tai asetelma -mallilta. Hän kutsui tämän turhauttavan ajan aikana tuotettua työtä "harmaiksi laattalauseiksi". Hän loisi nämä maalaukset työskentelemällä kankaalla kuukausia, maalaamalla, raapimalla tai hieromalla maalin pois ja lisäämällä pigmenttiä, kunnes kangas oli lähes yksivärinen niin paljon maalin kerääntymisestä. Lopulta hän tuhoaa nämä teokset, minkä vuoksi tästä ajanjaksosta on olemassa vain yksi maalaus. Krasnerin laaja tietämys kubismista oli hänen luovan ongelmansa lähde, koska hän tarvitsi hänen työnsä olevan enemmän ilmeikäs ja eleellinen, jotta sitä pidettäisiin nykyaikaisena ja ajankohtaisena. Syksyllä 1945 Krasner tuhosi monet kubistisista teoksistaan, jotka hän loi opintojensa aikana Hofmannin kanssa, vaikka suurin osa vuosina 1938–1943 luoduista maalauksista selviytyi tästä uudelleenarvioinnista.

Pienet kuvat: 1946–1949

Vuodesta 1946 lähtien Krasner alkoi työskennellä Little Image -sarjansa parissa . Yleisesti luokiteltu mosaiikeiksi, nauhoiksi tai hieroglyfeiksi kuvan tyylin mukaan, tämäntyyppisiä maalauksia, yhteensä noin 40, hän loi vuoteen 1949 asti. tiputustekniikka, jossa sivellin oli aina lähellä kankaan pintaa. Koska Krasner käytti tiputustekniikkaa, monet kriitikot uskoivat nähdessään tämän teoksen ensimmäistä kertaa tulkitsevansa uudelleen Pollockin kaoottisia maaliroiskeita. Hänen hieroglyfimaalauksensa ovat ruudukkoisia ja näyttävät lukemattomalta, henkilökohtaiselta käsikirjoitukselta Krasnerin luomisesta. Nämä teokset osoittavat hänen antifiguuraalisia huolenaiheitaan, kaikenlaista lähestymistapaa kankaalle, eleiden harjausta ja naturalistisen värin huomiotta jättämistä. Niissä on vähän vaihtelua sävyissä, mutta ne ovat erittäin rikkaita tekstuurin vuoksi, koska ne kertyvät impastoon, ja ne viittaavat myös tilan jatkumiseen kankaan ulkopuolella. Näitä pidetään hänen ensimmäisinä onnistuneina kuvina, jotka hän loi työskennellessään mielikuvituksensa sijaan mallina. Kuvien suhteellisen pieni mittakaava johtuu siitä, että hän maalasi ne maalaustelineelle pienessä studiotilassaan The Springsin yläkerran makuuhuoneessa.

Monet tutkijat tulkitsevat näitä kuvia Krasnerin heprealaisen käsikirjoituksen muokkauksena . Haastattelussa myöhemmin urallaan Krasner myönsi työskentelevänsä alitajuisesti oikealta vasemmalle kankaillaan, mikä sai tutkijat uskomaan, että hänen etninen ja kulttuurinen taustansa vaikutti hänen työnsä tuottamiseen. Jotkut tutkijat ovat tulkinneet nämä maalaukset kuvaamaan taiteilijan reaktiota holokaustin tragediaan . Toiset ovat väittäneet, että Krasnerin työ sotapalveluhankkeen kanssa sai hänet kiinnostumaan tekstistä ja koodeista, koska salausanalyysi oli tärkein asia sodan voittamisessa.

Kun hän valmistui Pikku kuva -sarjasta vuonna 1949, Krasner kävi työnsä kanssa jälleen kriittisen vaiheen. Hän kokeili ja hylkäsi monia uusia tyylejä ja lopulta tuhosi suurimman osan 1950 -luvun alussa tekemästään työstä. On todisteita siitä, että hän alkoi kokeilla automaattista maalausta ja loi mustavalkoisia, hybridisoituneita, hirveitä hahmoja suurille kankaille vuonna 1950. Nämä olivat maalauksia, jotka Betty Parsons näki vieraillessaan The Springsissä sinä kesänä, jolloin galleristi tarjosi Krasnerille esitys syksyllä. Kesän ja syksyn välillä Krasner oli jälleen siirtänyt tyylinsä värikenttien maalaamiseen ja tuhonnut hänen tekemänsä figuratiiviset automaattimaalaukset. Betty Parsons -näyttely oli Krasnerin ensimmäinen yksityisnäyttely sitten vuoden 1945. Näyttelyn jälkeen Krasner käytti värikenttämaalauksia kollaasimaalaustensa tekemiseen.

Varhaiset kollaasikuvat: 1951–1955

Vuoteen 1951 mennessä Krasner oli aloittanut ensimmäisen kollaasimaalaussarjan. Näiden luomiseksi Krasner liitti leikatut ja repimät muodot kaikkiin lukuun ottamatta kahta laajamittaista värikenttämaalausta, jotka hän loi Betty Parsons -näyttelyyn vuonna 1951. Tämä aika merkitsee aikaa, jolloin taiteilija lopetti työskentelyn maalaustelineellä. loi nämä teokset makaamalla tuen lattialle. Näiden kuvien tekemiseksi hän kiinnitti erilliset kappaleet kankaalle ja muokkasi koostumusta, kunnes hän oli tyytyväinen. Sitten hän liitti palaset kankaalle ja lisäsi väriä siveltimellä haluttaessa. Suurin osa hänen luomistaan ​​kollaasimaalauksista muistuttaa kasvi- tai orgaanisia muotoja, mutta eivät täysin elävää organismia. Käyttämällä monia erilaisia ​​materiaaleja hän pystyi luomaan tekstuurin ja estämään kuvan olevan täysin tasainen. Kollaasin repäisy- ja leikkauselementit ilmentävät Krasnerin ilmeitä, koska nämä teot ovat aggressiivisia. Hän tutki teoksen kautta vaaleiden ja tummien värien kontrasteja, kovia ja pehmeitä viivoja, orgaanisia ja geometrisia muotoja sekä rakennetta ja improvisaatiota. Nämä kollaasimaalaukset edustavat Krasnerin kääntymistä pois objektiivisesta abstraktiosta. Tästä ajanjaksosta lähtien hän loi metaforista ja sisällöllistä taidetta, joka viittaa orgaanisiin hahmoihin tai maisemiin.

Vuosina 1951–1953 suurin osa hänen teoksistaan ​​on tehty mustalla musteella tai kuviollisella tavalla pestyistä repäisykuvioista. Repimällä paperin leikkaamisen sijasta, kuvien reunat ovat paljon pehmeämpiä verrattuna aikaisempien teostensa geometrisiin ja kovareunaisiin muotoihin. Vuosina 1953–1954 hän loi pienempiä kollaasimaalauksia, jotka koostuivat palasista ei-toivotuista teoksista. Jotkut hänen käyttämistään hylätyistä teoksista olivat Pollockin valmistamia roisemaalauksia. Monet tutkijat ovat ilmaisseet erilaisia ​​tulkintoja siitä, miksi hän käytti kumppaninsa ei -toivottuja kankaita. Jotkut väittävät, että hän samanaikaisesti osoitti ihailua hänen taiteestaan ​​ja samalla myös kontekstuaalisti hänen aggressiivisen fyysisyytensä manipuloimalla hänen kuviaan kollaasimuotoon. Toiset uskovat, että hän loi läheisyyden tunteen keskenään, mikä puuttui heidän todellisesta suhteestaan ​​tähän aikaan, yhdistämällä heidän teoksensa. Vuoteen 1955 mennessä hän teki kollaasimaalauksia laajemmassa mittakaavassa ja vaihteli materiaalia, jota hän käytti tukena, käyttämällä joko masoniittia , puuta tai kangasta. Eleanor Ward esitteli nämä teokset ensimmäisen kerran Stable Galleryssa vuonna 1955 New Yorkissa, mutta ne saivat vain vähän julkista suosiota Clement Greenbergin hyvän arvostelun lisäksi .

Earth Green -sarja: 1956–1959

Kesällä 1956 Krasner aloitti Earth Green -sarjansa. Kun hän alkoi tehdä tätä työtä ennen Pollockin kuolemaa, niiden katsotaan heijastavan hänen vihan, syyllisyyden, tuskan ja menetyksen tunteita, joita hän koki suhteestaan ​​ennen ja jälkeen hänen kuolemansa. Voimakkaat tunteet, joita hän tunsi tänä aikana, sai hänen taiteensa kehittymään vapaammin itsensä ilmaisun linjoilla ja työnsi tavanomaisten, kehittyneiden taidekäsitysten rajoja. Näiden suuren mittakaavan toimintamaalausten kautta Krasner kuvaa hybridisoituja hahmoja, jotka koostuvat orgaanisista kasvimaisista muodoista ja anatomisista osista, jotka usein viittaavat sekä miesten että naisten ruumiinosiin. Nämä muodot hallitsevat kangasta, jolloin se on täynnä ja tiheästi täynnä halkeilevia ja pullistuvia muotoja. Tämän ajanjakson aikana kokema kipu on kuvattu pääasiassa lihavärien ja veripunaisten aksenttien käytön avulla haavoihin viittaavissa kuvissa. Kankaalle tippuva maali osoittaa hänen nopeutensa ja halukkuutensa luopua ehdottomasta hallinnasta, molemmat välttämättömiä tunteiden kuvaamiseen.

Vuoteen 1957 mennessä Krasner jatkoi kuviollisten abstraktien muotojen luomista työssään, mutta ne ehdottavat enemmän kukka -elementtejä kuin anatomisia. Hän käytti kirkkaampia värejä, jotka olivat elävämpiä ja yleisesti kontrastina muita sävyjä koostumuksessa. Hän myös laimentaa maalia tai käyttää kuivaa harjaa värien läpinäkyvyyden lisäämiseksi.

Vuonna 1958 Krasner sai tehtäväkseen luoda kaksi abstraktia seinämaalausta Broadwayn toimistorakennukseen . Hän loi kaksi kollaasi maquettes joka kuvataan kukkakuvioinen kahdelle eteiseen rakennuksen. Nämä seinämaalaukset tuhoutuivat myöhemmin tulipalossa.

Umber -sarja: 1959–1961

Krasnerin Umber -sarjan maalaukset luotiin aikana, jolloin taiteilija kärsi unettomuudesta . Koska hän työskenteli yöllä, hänen täytyi maalata keinovalolla eikä päivänvalolla , jolloin hänen paletinsa muuttui kirkkaista, eloisista sävyistä tylsiin, yksivärisiin väreihin. Hän käsitteli edelleen Pollockin kuolemaa ja äitinsä äskettäistä kuolemaa, mikä sai hänet käyttämään aggressiivista tyyliä näiden kuvien luomisessa. Nämä seinämaalauskokoiset toimintamaalaukset ovat tumman ja vaalean kontrastia, koska valkoiset, harmaat, mustat ja ruskeat ovat vallitsevia värejä. Todisteet hänen animoidusta siveltystyöstä voidaan nähdä kankaalle maalien tippumisen ja roiskumisen kautta. Näissä teoksissa ei ole katsojan keskittymispaikkaa, mikä tekee sävellyksestä erittäin dynaamisen ja rytmisen. Maalatakseen näin suuressa mittakaavassa Krasner kiinnitti kankaan seinään. Nämä kuvat eivät enää tarkoittaneet orgaanisia muotoja, vaan ne tulkitaan usein väkivaltaisiksi ja myrskyisiksi maisemiksi.

Ensisijainen sarja: 1960 -luku

Vuoteen 1962 mennessä hän alkaa käyttää kirkkaita värejä ja viittaa kukka- ja kasvimaisiin muotoihin. Nämä teokset ovat koostumukseltaan samanlaisia ​​kuin hänen yksiväriset kuvat suuren koon ja rytmisen luonteensa vuoksi ilman keskuspistettä. Niiden paletit ovat usein ristiriidassa keskenään ja viittaavat trooppisiin maisemiin tai kasveihin. Hän jatkoi työskentelyään tällä tyylillä, kunnes hän sai aneurysman , putosi ja mursi oikean ranteensa vuonna 1963. Koska hän halusi edelleen työskennellä, hän alkoi maalata vasemmalla kädellään. Voittaakseen työskentelyn ei-hallitsevalla kädellään hän usein levitti maalia suoraan putkesta kankaalle eikä harjaa, jolloin kuvien pinnoilla oli suuria valkoisen kankaan laikkuja. Näiden teosten ele ja fyysisyys ovat hillittyjä.

Kun hän oli toipunut murtuneesta kädestään, Krasner alkoi työskennellä kirkkaiden ja koristeellisten allover -maalausten parissa, jotka ovat vähemmän aggressiivisia kuin hänen Earth Green- ja Umber -sarjan maalauksensa. Usein nämä kuvat muistuttavat kalligrafiaa tai kukkakoristeita, jotka eivät räikeästi liity Krasnerin tunnettuun emotionaaliseen tilaan. Kukka- tai kalligrafiset muodot hallitsevat kangasta ja yhdistävät vaihtelevan siveltimen yhdeksi kuvioksi.

1960 -luvun jälkipuoliskolla kriitikot alkoivat arvioida uudelleen Krasnerin roolia New Yorkin koulussa taidemaalarina ja kriitikkona, joka vaikutti suuresti Pollockiin ja Greenbergiin. Ennen tätä kriitikot ja tutkijat jättivät tyypillisesti huomiotta hänen asemansa taiteilijana hänen suhteensa Pollockiin. Koska hän toimi niin suurena hahmona abstraktissa ekspressionistisessa liikkeessä, tutkijoiden on silti usein vaikea keskustella hänen työstään mainitsematta Pollockia jossain määrin. Tämä uudelleenarviointi heijastuu hänen ensimmäiseen retrospektiiviseen maalausnäyttelyynsä, joka pidettiin Lontoossa Whitechapel Galleryssä vuonna 1965. Tämä näyttely sai kriitikoilta enemmän vastaan ​​verrattuna hänen aiempiin näyttelyihinsä New Yorkissa.

Vuonna 1969 Krasner keskittyi lähinnä teosten luomiseen paperilla, jossa oli guassi . Nämä teokset nimettiin joko Maa-, Vesi-, Siemen- tai Hieroglyfeiksi ja näyttivät usein samanlaisilta kuin Rorschach -testi . Jotkut tutkijat väittävät, että nämä kuvat kritisoivat Greenbergin teoriaa kankaan kaksiulotteisen luonteen tärkeydestä.

Myöhäinen ura

Koko 1960- ja 1970 -luvuilla taidemaalarin työhön vaikutti merkittävästi postmoderni taide, ja se korosti taiteen luontaisia ​​ongelmia viestintämuodossa.

Vuodesta 1970 lähtien Krasner alkoi valmistaa suuria vaakasuuntaisia ​​maalauksia, jotka koostuivat kovasta reunasta ja muutamia kirkkaita värejä sisältävästä paletista. Hän maalasi tällä tyylillä noin vuoteen 1973. Kolme vuotta myöhemmin hän alkoi työskennellä toisen kollaasikuvasarjansa parissa. Hän alkoi työskennellä näiden parissa studion siivoamisen jälkeen ja löysi joitain puuhiilipiirroksia, jotka olivat pääosin hahmotutkimuksia, jotka hän suoritti vuosina 1937–1940. Muutaman tallentamisen jälkeen Krasner päätti käyttää loput uudessa kollaasisarjassa. Tässä työssä hahmotutkimusten mustat ja harmaat muodot rinnastetaan tyhjää kangasta tai kirkkaan värin lisäämistä vasten. Leikattujen piirustusten kovasärmäiset muodot rekonstruoidaan kaareviksi muodoiksi, jotka muistuttavat kukkakuvioita. Tekstuuri syntyy sileän paperin ja karkean kankaan kontrastin kautta. Koska hahmotutkimuksia leikataan ja järjestetään uudelleen ottamatta huomioon niiden alkuperäistä tarkoitusta tai viestiä, erot vanhojen piirustusten ja uusien rakenteiden välillä ovat erittäin liioiteltuja. Kaikki tämän sarjan kollaasien otsikot ovat erilaisia verbi -aikoja, jotka tulkitaan kritiikiksi Greenbergin ja Michael Friedin vaatimuksesta modernin taiteen läsnäolosta. Suuri yleisö otti tämän sarjan hyvin vastaan, kun se esiteltiin vuonna 1977 Pace Galleryssa . Sitä pidetään myös lausumana siitä, kuinka taiteilijoiden on tarkasteltava ja muokattava tyyliään uudelleen pysyäkseen ajankohtaisena ikääntyessään.

Krasnerin ja Pollockin keskinäinen vaikutus toisiinsa

Vaikka monet ihmiset uskovat, että Krasner lakkasi työskentelemästä 1940 -luvulla edistääkseen Pollockin kotielämää ja uraa, hän ei koskaan lopettanut taiteen luomista. Kun heidän suhteensa kehittyi, hän siirsi keskittymisensä omasta Pollockin taiteeseen auttaakseen häntä saamaan enemmän tunnustusta, koska hän uskoi, että hänellä oli "paljon enemmän annettavaa taiteellaan kuin hänellä oli".

Koko uransa ajan Krasner kävi läpi kamppailuja, jolloin hän kokeili uusia tyylejä, jotka tyydyttäisivät hänen ilmaisukeinojaan ja ankaraa kritiikkiä, tarkistaisi tai tuhoaisivat tuotantonsa. Tämän itsekritiikin vuoksi on aikoja, jolloin hänen teoksistaan ​​on vain vähän tai ei ollenkaan, erityisesti 1940-luvun lopulla ja 1950-luvun alussa.

Krasnerilla ja Pollockilla oli valtava vaikutus toistensa taiteellisiin tyyleihin ja uraan. Koska Krasner oli oppinut Hans Hofmannilta, kun taas Pollock sai koulutusta Thomas Hart Bentonilta , jokainen käytti erilaista lähestymistapaa työhönsä. Krasner oppi Hofmannilta, kuinka tärkeää on abstraktio luonnosta ja korostaa kankaan tasaista luonnetta, kun taas Pollockin koulutus korosti automaattisen piirustuksen monimutkaisen suunnittelun merkitystä. Krasnerin laaja nykytaiteen tuntemus auttoi Pollockia siitä lähtien, kun hän toi hänet ajan tasalle siitä, mitä nykytaiteen pitäisi olla. Siksi hän pystyi tekemään töitä, jotka olivat organisoituneempia ja kosmopoliittisempia. Lisäksi Krasner esitteli Pollockin monille taiteilijoille, keräilijöille ja kriitikoille, jotka arvostivat abstraktia taidetta, kuten Willem de Kooning , Peggy Guggenheim ja Clement Greenberg . Pollock auttoi Krasneria tulemaan vähemmän hillityksi työssään. Hän innoitti häntä lopettamaan maalaamisen ihmis- ja asetelma -malleista vapauttaakseen sisätilojen tunteensa ja tullakseen spontaanimmaksi ja eleellisemmäksi työnsä kautta.

Krasner kamppaili yleisön vastaanottamasta identiteettiään sekä naisena että Pollockin vaimona. Kun he molemmat olivat esillä näyttelyssä nimeltä "Taiteilijat: mies ja vaimo" vuonna 1949, ARTnews -arvioija totesi: "Joidenkin näiden vaimojen keskuudessa on taipumus" siivota "miehensä tyylejä. Lee Krasner (rouva Jackson Pollock) ottaa miehensä maalin ja emalit ja muuttaa rajoittamattomat, lakaisemattomat viivat siisteiksi pieniksi neliöiksi ja kolmioiksi. " Jopa feminismin nousun jälkeen 1960- ja 1970 -luvuilla Krasnerin taiteellinen ura asetettiin aina suhteeseen Pollockiin, koska hänen työstään tehdyt huomautukset kommentoivat usein sitä, kuinka hänestä oli tullut menestyvä taiteilija siirtymällä pois Pollockin varjosta. Pollockista puhutaan jatkuvasti artikkeleissa hänen työstään. Krasneria kutsutaan edelleen joskus nimellä "Action Widow", termin, jonka taiteilijakriitikko BH Friedman keksi vuonna 1972 ja joka syytti abstraktin ekspressionistisen taiteilijan eloon jääneitä naisia ​​taiteellisesta riippuvuudesta mieskumppaneistaan. Tyypillisesti 1940- ja 1950 -luvuilla Krasner ei myöskään allekirjoittanut teoksia ollenkaan, allekirjoittanut sukupuolittomilla nimikirjaimilla "LK" tai yhdistänyt allekirjoituksensa maalaukseen, jotta hän ei korostaisi asemaansa naisena ja vaimona toiselle maalaajalle.

Legacy

Mary Beth Edelsonin 's eläviä amerikkalaiset naiset taiteilijoita / Last Supper (1972) anastanut Leonardo da Vinci : n viimeinen illallinen , johtajien kanssa merkittävä naistaiteilijoiden, kuten Krasnerin, collaged ohitse Kristuksen ja apostoliensa. Kuvasta, joka käsitteli uskonnollisen ja taidehistoriallisen ikonografian roolia naisten alistamisessa, tuli "yksi feministisen taideliikkeen ikonisimmista kuvista ".

Krasner kuoli vuonna 1984, 75 -vuotiaana, luonnollisista syistä. Hän oli kärsinyt niveltulehduksesta .

Kuusi kuukautta kuolemansa jälkeen New Yorkin modernin taiteen museo ( MoMA ) piti retrospektiivisen näyttelyn hänen töistään. New York Timesissa julkaistussa katsauksessa todettiin, että se "määrittelee selvästi Krasnerin paikan New Yorkin koulussa" ja että hän "on merkittävä, itsenäinen taiteilija edelläkävijä Abstract Expressionist -sukupolvesta, jonka sekoittava työ on korkealla täällä viime vuosina tuotettujen joukossa. puoli vuosisataa. " Vuodesta 2008 lähtien Krasner on yksi neljästä naistaiteilijasta, joilla on ollut retrospektiivinen esitys tässä laitoksessa. Muut kolme naista ovat Louise Bourgeois (1982), Helen Frankenthaler (1989) ja Elizabeth Murray (2004).

Hänen paperinsa lahjoitettiin Amerikan taiteen arkistoon vuonna 1985; ne digitoitiin ja julkaistiin verkossa tutkijoille.

Hänen kuolemansa jälkeen hänen East Hamptonin kiinteistöstään tuli Pollock-Krasnerin talo ja studio , ja se on avoinna yleisölle. Vuonna 1985 perustettiin erillinen organisaatio, Pollock-Krasner-säätiö . . " Yhdysvaltain tekijänoikeuksien edustaja Pollock-Krasner -säätiössä on Artists Rights Society .

11. marraskuuta 2003 Celebration, suuri maalaus vuodelta 1960, myytiin Clevelandin taidemuseolle 1,9 miljoonalla dollarilla ja toukokuussa 2008 Polar Stampede myi 3,2 miljoonalla dollarilla. "Kukaan ei voisi tänään kutsua häntä perifeeriseksi lahjakkuudeksi", sanoi kriitikko Robert Hughes .

Populaarikulttuurissa

Krasneria esitti Marcia Gay Harden elokuvassa Pollock (2000), joka kertoo aviomiehensä Jackson Pollockin elämästä . Harden voitti Oscarin parhaasta naissivuosasta elokuvassa esiintymisestään.

Vuonna John Updike romaaniin Seek My Face (2002), merkittävä osa päähenkilön elämä perustuu Krasnerin.

Henkilökohtainen elämä

Suhde Jackson Pollockiin

Krasner ja Jackson Pollock loivat suhteen vuonna 1942, kun he olivat molemmat näytteillä McMillen -galleriassa. Hän oli kiinnostunut hänen työstään ja siitä, että hän ei tiennyt, kuka hän oli, vaikka hän tunsi monia abstrakteja maalareita New Yorkissa. Hän meni hänen asuntoonsa tapaamaan häntä. Vuoteen 1945 mennessä he muuttivat The Springsiin East Hamptonin laitamilla . Saman vuoden kesällä he menivät naimisiin kirkossa kahden todistajan kanssa.

Kun he asuivat The Springsin maalaistalossa, he jatkoivat taiteen luomista. He työskentelivät erillisissä studiotiloissa Krasnerin kanssa talon yläkerran makuuhuoneessa, kun taas Pollock työskenteli navetalla takapihallaan . Kun he eivät työskennelleet, he viettivät aikaa ruoanlaittoon, leipomiseen, puutarhanhoitoon, talon järjestämiseen ja ystävien viihdyttämiseen.

Vuoteen 1956 mennessä heidän suhteensa kiristyivät, kun he kohtasivat tiettyjä ongelmia. Pollock oli alkanut kamppailee alkoholismin ja oli ottaa avioliiton ulkopuolinen suhde kanssa Ruth Kligmanin . Krasner lähti kesällä vierailemaan ystäviensä kanssa Euroopassa, mutta hänen oli palattava nopeasti, kun Pollock kuoli auto -onnettomuudessa hänen ollessaan poissa.

Uskonto

Krasner kasvatettiin ortodoksisessa juutalaisessa kodissa koko lapsuutensa ja nuoruutensa. Hänen perheensä asui Brownsvillessä, Brooklynissa, jossa oli suuri joukko köyhiä juutalaisia ​​maahanmuuttajia. Hänen isänsä vietti suurimman osan ajastaan juutalaisuuden harjoittamisesta, kun hänen äitinsä piti yllä kotitaloutta ja perheyritystä. Krasner arvosti juutalaisuuden näkökohtia, kuten heprealaista kirjoitusta , rukouksia ja uskonnollisia tarinoita.

Teini -ikäisenä hän kritisoi sitä, mitä hän piti misogynynalaisena ortodoksisessa juutalaisuudessa. Haastattelussa myöhemmin elämässään Krasner muistelee lukeneensa rukouskäännöksen ja ajatellut sen olevan "todella kaunis rukous kaikin tavoin lukuun ottamatta sen sulkemista ... jos olet mies, sanot:" Kiitos, Herra, että olet luonut minut sinun kuvaksesi "; ja jos olet nainen, sanot:" Kiitos, Herra, että olet luonut minut haluamallasi tavalla. "" Hän alkoi myös lukea eksistentialistisia filosofioita tänä aikana, jolloin hän kääntyi pois. juutalaisuudesta vielä pidemmälle.

Kun hän meni naimisiin Pollockin kanssa kirkossa, Krasner ilmoitti edelleen olevansa juutalainen, mutta päätti olla harjoittamatta uskontoa. Hänen identiteettinsä juutalaisena naisena on vaikuttanut siihen, miten tutkijat tulkitsevat hänen taiteensa merkityksen.

Joitakin institutionaalisia omistuksia

Metropolitan Museum of Art , New York

• Omakuva, 1929
• Gansevoort, numero 1, 1934
• Yön olennot , 1965
• Rising Green , 1972

Nykytaiteen museo , New York

• Asetelma , 1938
• Istuva alaston , 1940
• Nimetön, 1949
• Numero 3 (Nimetön), 1951
• Nimetön, 1964
• Gaea, 1966

Muut instituutiot:

• Sävellys , 1949, Philadelphian taidemuseo , Philadelphia
• Nimetön, 1953, Australian kansallisgalleria , Canberra
• Milkweed, 1955, Albright-Knox Gallery , Buffalo, New York
• Polar Stampede, 1961, San Franciscon nykytaiteen museo
• Gold Stone, 1969, San Franciscon kuvataidemuseot
• Komeetta, 1970, Robert Miller (taidekauppias) Galleria, New York
• Imperative, 1976, National Gallery of Art , Washington DC

Taidemarkkinat

Christien huutokaupassa New Yorkissa vuonna 2003 Lee Krasnerin horisontaalinen koostumus öljy kankaalle, Celebration (1960), moninkertaisti ennakkoarvionsa yli nelinkertaiseksi, kun se päätti nousevan kurssinsa 1,9 miljoonaan dollariin. Vuonna 2019 Sotheby's teki uuden huutokauppaennätyksen Krasnerille, kun Silmä on ensimmäinen ympyrä (1960) myytiin 10 miljoonalla dollarilla Robert Mnuchinille .

Katso myös

• Pollock-Krasnerin talo ja studio

Viitteet

Lue lisää

Ulkoiset linkit

• Jackson Pollockin ja Lee Krasnerin paperit, noin 1905-1984 , Archives of American Art, Smithsonian Institution
• Pollock-Krasnerin säätiö
• Suullinen historiahaastattelu Lee Krasnerin kanssa, 1964, 2.-1968. Marraskuu, 11. huhtikuuta
• Lee Krasnerin merkintä Unionin artistinimiluetteloon
• Lee Krasner at Find a Grave
• 1978 Lee Krasnerille videohaastattelu by Barbaralee Diamonstein-Spielvogel
• Naistaiteilijat ja sodanjälkeinen abstraktio | NÄYTÄ MoMA -kuraattorin Starr Figuran kanssa